Über Op-Art | Vasarely, Bridget Riley, The Responsive Eye & die Kunst der optischen Täuschung

Was ist Op-Art?

Op-Art, kurz für optische Kunst, ist ein Stil der abstrakten Malerei, der Mitte der 1960er-Jahre die Kunstwelt im Sturm eroberte. Ihre Bilder bestehen aus nichts als präzisen geometrischen Formen – Streifen, Schachbrettern, Kreisen, Punkten und Quadraten –, meist in stark kontrastierendem Schwarzweiß oder in leuchtenden Farben. Mit großer Sorgfalt angeordnet, täuschen diese einfachen Formen das Auge: Flache Leinwände scheinen sich zu wölben, zu wogen, zu flimmern, zu kreisen oder zu vibrieren, und manche machen den Betrachtern sogar ein wenig schwindlig. Op-Art erzählt keine Geschichte und zeigt nicht die Welt; ihr Thema ist das Sehen selbst. Der Name erschien 1964 zum ersten Mal gedruckt im Magazin Time, als Gegenstück zur Pop-Art.

Alte Täuschungen, neue Kunst

Die Op-Art wurzelte in der Wissenschaft und im Bauhaus. Im 19. Jahrhundert sammelten Psychologen optische Täuschungen, die zeigen, wie leicht sich das Auge täuschen lässt: Im Hermann-Gitter von 1870 flimmern graue Flecken an den Kreuzungen weißer Linien auf schwarzem Grund, obwohl dort keine sind. In den 1920er-Jahren lehrte das Bauhaus Künstler, die Wahrnehmung zu erforschen und Bilder aus einfachen Elementen aufzubauen, und Lehrer wie Josef Albers untersuchten, wie Farben einander verändern. Marcel Duchamps rotierende Rotoreliefs von 1935 verwandelten flache Kreise bereits in bewegte Tiefe. Die Op-Künstler der 1950er- und 1960er-Jahre machten solche Effekte zum eigentlichen Sinn eines Gemäldes.

Ein Hermann-Gitter: ein schwarzes Quadrat, durchzogen von weißen Linien, an deren Kreuzungen graue Flecken zu flimmern scheinen — Das Hermann-Gitter, 1870 von Ludimar Hermann beschrieben: An den Kreuzungen der weißen Linien erscheinen graue Flecken, obwohl dort keine sind.

Victor Vasarely, der Vater der Op-Art

Der in Ungarn geborene Maler Victor Vasarely (1906–1997) wird oft der Vater der Op-Art genannt. Geboren in Pécs, studierte er in Budapest an einer kleinen Schule, die als Budapester Bauhaus bekannt war, und zog 1930 nach Paris, wo er jahrelang als Grafiker für Werbeagenturen arbeitete. 1937 schuf er Zebras: schwarze und weiße Streifen, die sich ohne eine einzige Umrisslinie zu zwei Zebras biegen – eines der ersten Werke der Op-Art. 1955 veröffentlichte er sein Gelbes Manifest zur Ausstellung Le Mouvement in der Galerie Denise René in Paris und forderte eine Kunst der Bewegung und der Wahrnehmung, mit neuen Techniken geschaffen und offen für alle.

Victor Vasarely im Jahr 1978 — Victor Vasarely, 1978.

Vega: das anschwellende Raster

Ab den 1960er-Jahren baute Vasarely seine Bilder aus sogenannten plastischen Einheiten auf: einem farbigen Quadrat mit einer kleineren Form – einem Kreis, einem Quadrat oder einer Raute – in einer Kontrastfarbe darin. Wie die Buchstaben eines Alphabets kombiniert, ließen sich diese Einheiten endlos wiederholen, umfärben und drucken, was zu seinem Traum von einer Kunst für alle passte, verkauft als erschwingliche Drucke. In seiner Vega-Serie der späten 1960er-Jahre scheint ein Schachbrett solcher Einheiten zu einer Kugel anzuschwellen: Die Quadrate und Kreise wachsen zur Mitte hin und schrumpfen zu den Rändern, sodass sich die flache Leinwand dem Betrachter entgegenwölbt. Vega-Nor (1969) im Buffalo AKG Art Museum ist ein berühmtes Beispiel.

Vasarelys Vega-Nor: ein Schachbrett aus farbigen Quadraten und Kreisen, das sich zur Mitte hin wie eine Kugel wölbt — Victor Vasarely, Vega-Nor, 1969. Öl auf Leinwand, Buffalo AKG Art Museum.

Bridget Riley in Schwarzweiß

Die britische Malerin Bridget Riley, 1931 in London geboren, wurde Anfang der 1960er-Jahre mit Schwarzweißbildern bekannt. In Movement in Squares (1961) wird ein einfaches Schachbrett zu einer senkrechten Linie hin zusammengedrückt, und die Oberfläche scheint wegzuklappen und zurückzukehren. In Fall (1963) und Current (1964) biegen und verdichten sich dünne schwarze Linien, bis die ganze Leinwand zu fließen und zu schimmern scheint. Riley plante jedes Werk mit genauen Studien und arbeitete später mit Assistenten, die die endgültigen Leinwände malten. 1968 gewann sie als erste Frau den Internationalen Preis für Malerei auf der Biennale von Venedig.

Bridget Rileys Movement in Squares: ein schwarzweißes Schachbrett, dessen Quadrate zu einer senkrechten Linie hin schmaler werden, sodass sich die Fläche zu falten scheint — Bridget Riley, Movement in Squares, 1961. Tempera auf Hartfaserplatte, Arts Council Collection, London.

The Responsive Eye

1965 eröffnete das Museum of Modern Art in New York The Responsive Eye, eine von William C. Seitz kuratierte Ausstellung mit mehr als hundert Werken von Künstlern aus vielen Ländern. Rileys Current zierte den Umschlag des Katalogs. Die Schau war ein riesiger Publikumserfolg, und binnen weniger Wochen tauchten Op-Art-Muster auf Kleidern, in Schaufenstern, auf Plakaten und in der Werbung auf. Viele Kritiker taten den Stil jedoch als vorübergehende Spielerei ab, und Riley war bestürzt, ihre Werke in New Yorker Schaufenstern auf Kleidung kopiert zu sehen. Die Ausstellung machte die Op-Art berühmt – und fast zu schnell zur Mode.

Licht, Farbe und Bewegung in Lateinamerika

Einige der einfallsreichsten optischen Kunstwerke kamen aus Lateinamerika. Der Venezolaner Jesús Rafael Soto (1923–2005) hängte Reihen dünner Stäbe vor gestreifte Hintergründe, sodass das Werk zu vibrieren scheint, wenn man daran vorbeigeht, und baute Penetrables, Räume aus hängenden Fäden, durch die man hindurchgehen kann. Sein Landsmann Carlos Cruz-Diez (1923–2019) erforschte, wie sich Farben im Auge mischen – in seinen Physichromien und in riesigen Werken im öffentlichen Raum, etwa dem gestreiften Boden des Flughafens von Caracas. In Paris schufen der Argentinier Julio Le Parc und die Groupe de Recherche d'Art Visuel Werke, die mit Licht und Bewegung spielen, nahe der kinetischen Kunst.

Reisende gehen über Carlos Cruz-Diez' Boden aus bunten Streifen im Flughafen von Caracas — Carlos Cruz-Diez, Cromointerferencia de color aditivo, der Boden des Internationalen Flughafens Simón Bolívar in Maiquetía, der Caracas bedient.

Warum die Bilder sich zu bewegen scheinen

Op-Art wirkt über die Art, wie Auge und Gehirn das Gesehene verarbeiten. Scharfe Kanten zwischen Schwarz und Weiß lassen das Auge den Kontrast übertreiben, deshalb erscheinen graue Geister zwischen hellen Linien. Feine, sich überlagernde Linien erzeugen Moiré-Muster, schimmernde Bänder, die sich bei der kleinsten Kopfbewegung verschieben. Weil das Auge nie stillsteht, sondern winzige, ständige Bewegungen macht, scheinen kontrastreiche Muster zu flimmern und zu fließen. Linien, die sich allmählich verdichten, oder Quadrate, die allmählich schrumpfen, werden als im Raum gekrümmte Flächen gelesen, und mehrdeutige Figuren wie Vasarelys Würfel kippen zwischen zwei Sichtweisen hin und her. Der Künstler stellt die Falle; die Augen des Betrachters erledigen den Rest.

Op-Art überall

Mitte der 1960er-Jahre verließ die Op-Art die Galerie. Schwarzweiße Op-Art-Kleider, Tücher und Strumpfhosen füllten die Boutiquen, Plattenhüllen und Plakate übernahmen ihre Spiralen und Streifen, und Designer verwendeten ihre Muster in Innenräumen und in der Werbung. Vasarely begrüßte diese Verbreitung: 1972 gestaltete er mit seinem Sohn Yvaral das Renault-Logo neu, und 1976 eröffnete er die Fondation Vasarely in Aix-en-Provence, ein Gebäude aus miteinander verbundenen sechseckigen Hallen, das er selbst entwarf, um seine monumentalen Werke zu zeigen und Kunst und Architektur zusammenzubringen. Auch in Pécs und Budapest, in seiner Heimat Ungarn, wurden Museen mit seinen Werken eröffnet.

Die Fondation Vasarely in Aix-en-Provence, ein Gebäude aus sechseckigen Hallen mit schwarzen und weißen Kreisen in Quadraten an den Wänden — Die Fondation Vasarely in Aix-en-Provence, von Victor Vasarely entworfen und 1976 eröffnet.

Nach den Sechzigern

Ende der 1960er-Jahre war die Op-Art-Mode verblasst, doch die Künstler machten weiter. Bridget Riley wandte sich ab 1967 der Farbe zu und malte Streifen, Kurven und, nach einer Reise nach Ägypten 1979–80, schimmernde Rauten in einer von der altägyptischen Kunst inspirierten Palette. Vasarely entwickelte sein plastisches Alphabet bis zu seinem Tod 1997 weiter. Die Ideen der Op-Art – Kunst aus Regeln, wiederholten Einheiten und präzisen Mustern – nahmen die Computerkunst und das digitale Design vorweg, und ihre Täuschungen leben in Grafikdesign, Mode, Architektur und auf den Bildschirmen weiter, auf die wir jeden Tag schauen.

Eine digitale Hommage in PictorX

Die Op-Art-App von PictorX ist eine digitale Hommage an diese Künstler. Sie ist keine Reproduktion eines ihrer Werke und keine KI-Kopie: Jedes Bild wird aus Ihrem eigenen Foto aufgebaut, dessen Töne und Farben die Größe jeder Kugel, jeder Scheibe und jedes Quadrats und die Dicke jeder Linie bestimmen. Sie beginnt mit Salvador Dalís Galatea der Sphären (1952), einem Porträt aus schwebenden Kugeln, und fügt die anschwellenden Raster Vasarelys sowie die Wellen und Schachbretter Bridget Rileys hinzu. Echte Op-Art sieht man am besten im Original: im Museum of Modern Art in New York, in der Tate in London, im Centre Pompidou in Paris, im Buffalo AKG Art Museum, in der Fondation Vasarely in Aix-en-Provence und in den Vasarely-Museen in Ungarn.

Das Porträt einer Frau aus welligen schwarzen und weißen Linien, das sich von einem Hintergrund aus gegenläufigen Wellen abhebt, erstellt mit der Op-Art-App von PictorX

Eigene Op-Art in PictorX gestalten

Öffnen Sie die Op-Art-App und laden Sie ein Foto – ein Porträt mit einem klaren Motiv eignet sich am besten. Wählen Sie einen Stil – Kugeln, Vega, Wellen, Quadrate, Ringe oder Würfel – oder beginnen Sie mit einem Favoriten wie Galatea der Sphären, Vega, Riley – Strömung oder Zebra. Wählen Sie eine Palette – Foto, Schwarzweiß, Vasarely, Riley, Neon oder Pastell – und einen Hintergrund: das Muster über das ganze Bild, ein Gegenmuster, Galateas Himmel und Meer oder einen schlichten Grund. Nutzen Sie dann Größe, Verzerrung, Kontrast, Schattierung und Winkel, klicken oder ziehen Sie auf dem Bild, um das Zentrum der Täuschung zu verschieben, und schalten Sie Hintergrund entfernen ein, um ein sauberes Motiv freizustellen. Speichern Sie ein PNG oder bearbeiten Sie es in PictorX weiter.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Op-Art?

Op-Art, kurz für optische Kunst, ist ein Stil der abstrakten Kunst der 1960er-Jahre aus präzisen geometrischen Mustern – Linien, Quadraten, Kreisen –, die sich auf einer flachen Fläche zu bewegen, zu wölben oder zu vibrieren scheinen. Ihr Thema ist die Wahrnehmung selbst.

Wer sind die bekanntesten Op-Künstler?

Victor Vasarely und Bridget Riley sind die berühmtesten. Zu den weiteren gehören Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc, Yaacov Agam und Richard Anuszkiewicz.

Warum scheint Op-Art sich zu bewegen?

Starke Kontraste, feine wiederholte Linien und allmähliche Veränderungen von Größe oder Abstand spielen mit der Art, wie Auge und Gehirn Kanten, Tiefe und Bewegung wahrnehmen. Weil das Auge nie ganz stillsteht, scheinen solche Muster zu flimmern, zu fließen oder sich zu wölben.

Was ist der Unterschied zwischen Op-Art und Pop-Art?

Die Pop-Art derselben Jahre entlehnte Bilder aus Comics, Werbung und der Welt der Stars. Op-Art ist abstrakt: Sie zeigt überhaupt keine Gegenstände und nutzt Geometrie, um Täuschungen zu erzeugen. Der Name Op-Art wurde als Wortspiel mit Pop-Art geprägt.

Kann ich aus einem Foto Op-Art machen?

Ja. Die Op-Art-App von PictorX baut Ihr Foto aus Kugeln, Scheiben, Wellen, Quadraten, Ringen oder Würfeln neu auf, nach Art von Dalí, Vasarely und Riley.