À propos de l’op art | Vasarely, Bridget Riley, The Responsive Eye et l’art de l’illusion d’optique

Qu’est-ce que l’op art ?

L’op art, abréviation d’« optical art » (art optique), est un style de peinture abstraite qui a conquis le monde de l’art au milieu des années 1960. Ses tableaux ne sont faits que de formes géométriques précises – rayures, damiers, cercles, points et carrés –, le plus souvent en noir et blanc très contrastés ou en couleurs vives. Disposées avec un grand soin, ces formes simples trompent l’œil : les toiles plates semblent se bomber, onduler, scintiller, tourner ou vibrer, et certaines donnent même un léger vertige. L’op art ne raconte pas d’histoire et ne montre pas le monde ; son sujet est l’acte même de voir. Le nom est apparu pour la première fois dans le magazine Time en 1964, en écho au pop art.

Vieilles illusions, art nouveau

L’op art plonge ses racines dans la science et dans le Bauhaus. Au XIXe siècle, les psychologues ont recensé des illusions d’optique qui montrent à quel point l’œil se laisse tromper : dans la grille de Hermann de 1870, des taches grises scintillent aux croisements de lignes blanches sur fond noir, alors qu’il n’y en a aucune. Dans les années 1920, le Bauhaus apprenait aux artistes à étudier la perception et à construire des images à partir d’éléments simples, et des enseignants comme Josef Albers exploraient la façon dont les couleurs se modifient les unes les autres. Les Rotoreliefs tournants de Marcel Duchamp, en 1935, transformaient déjà des cercles plats en profondeur mouvante. Les artistes optiques des années 1950 et 1960 ont fait de ces effets la raison d’être du tableau.

Une grille de Hermann : un carré noir traversé de lignes blanches, aux croisements desquelles des taches grises semblent scintiller — La grille de Hermann, décrite par Ludimar Hermann en 1870 : des taches grises apparaissent aux croisements des lignes blanches, alors qu’il n’y en a aucune.

Victor Vasarely, le père de l’op art

Le peintre d’origine hongroise Victor Vasarely (1906–1997) est souvent appelé le père de l’op art. Né à Pécs, il étudie à Budapest dans une petite école surnommée le « Bauhaus de Budapest », puis s’installe en 1930 à Paris, où il travaille pendant des années comme graphiste pour des agences de publicité. En 1937, il réalise Zèbres : des rayures noires et blanches qui se courbent pour former deux zèbres sans le moindre contour – l’une des premières œuvres d’op art. En 1955, il publie son Manifeste jaune pour l’exposition Le Mouvement à la galerie Denise René à Paris, plaidant pour un art du mouvement et de la perception, fait avec des techniques nouvelles et ouvert à tous.

Victor Vasarely en 1978 — Victor Vasarely, 1978.

Vega : la grille qui enfle

À partir des années 1960, Vasarely construit ses tableaux avec ce qu’il appelle des unités plastiques : un carré coloré contenant une forme plus petite – un cercle, un carré ou un losange – d’une couleur contrastée. Combinées comme les lettres d’un alphabet, ces unités peuvent être répétées, recolorées et imprimées à l’infini, ce qui sert son rêve d’un art pour tous, vendu sous forme d’estampes abordables. Dans sa série Vega de la fin des années 1960, un damier de ces unités semble se gonfler en sphère : les carrés et les cercles grandissent vers le centre et rapetissent vers les bords, si bien que la toile plate se bombe vers le spectateur. Vega-Nor (1969), au Buffalo AKG Art Museum, en est un exemple célèbre.

Vega-Nor de Vasarely : un damier de carrés et de cercles colorés qui se gonfle vers le centre comme une sphère — Victor Vasarely, Vega-Nor, 1969. Huile sur toile, Buffalo AKG Art Museum.

Bridget Riley en noir et blanc

La peintre britannique Bridget Riley, née à Londres en 1931, se fait connaître au début des années 1960 avec des tableaux en noir et blanc. Dans Movement in Squares (1961), un simple damier est comprimé vers une ligne verticale, et la surface semble se replier puis revenir. Dans Fall (1963) et Current (1964), de fines lignes noires se courbent et se resserrent jusqu’à ce que toute la toile paraisse couler et chatoyer. Riley prépare chaque œuvre par des études précises et travaille plus tard avec des assistants qui peignent les toiles définitives. En 1968, elle devient la première femme à remporter le Prix international de peinture à la Biennale de Venise.

Movement in Squares de Bridget Riley : un damier noir et blanc dont les carrés se rétrécissent vers une ligne verticale, si bien que la surface semble se plier — Bridget Riley, Movement in Squares, 1961. Tempera sur panneau de fibres, Arts Council Collection, Londres.

The Responsive Eye

En 1965, le Museum of Modern Art de New York inaugure The Responsive Eye, une exposition de plus de cent œuvres d’artistes de nombreux pays, organisée par William C. Seitz. Current de Riley figure sur la couverture du catalogue. L’exposition remporte un immense succès public et, en quelques semaines, des motifs op art apparaissent sur des robes, dans les vitrines, sur des affiches et dans les publicités. Beaucoup de critiques jugent pourtant ce style comme un gadget passager, et Riley est consternée de voir ses œuvres copiées sur des vêtements dans les vitrines new-yorkaises. L’exposition rend l’op art célèbre – et le met à la mode presque trop vite.

Lumière, couleur et mouvement en Amérique latine

Certaines des œuvres optiques les plus inventives viennent d’Amérique latine. Le Vénézuélien Jesús Rafael Soto (1923–2005) suspend des rangées de fines tiges devant des fonds rayés, de sorte que l’œuvre semble vibrer quand on passe devant, et construit des Pénétrables, des espaces de fils suspendus que l’on peut traverser. Son compatriote Carlos Cruz-Diez (1923–2019) explore la façon dont les couleurs se mélangent dans l’œil, dans ses Physichromies et dans d’immenses œuvres dans l’espace public, comme le sol rayé de l’aéroport qui dessert Caracas. À Paris, l’Argentin Julio Le Parc et le Groupe de Recherche d’Art Visuel créent des œuvres qui jouent avec la lumière et le mouvement, proches de l’art cinétique.

Des voyageurs marchent sur le sol de rayures colorées de Carlos Cruz-Diez à l’aéroport qui dessert Caracas — Carlos Cruz-Diez, Cromointerferencia de color aditivo, le sol de l’aéroport international Simón Bolívar de Maiquetía, qui dessert Caracas.

Pourquoi les images semblent bouger

L’op art agit sur la manière dont l’œil et le cerveau traitent ce qu’ils voient. Les bords nets entre le noir et le blanc poussent l’œil à exagérer le contraste, d’où les fantômes gris qui apparaissent entre des lignes claires. De fines lignes répétées qui se superposent créent des moirés, des bandes chatoyantes qui bougent au moindre mouvement de la tête. Comme l’œil ne reste jamais immobile et fait sans cesse de minuscules mouvements, les motifs très contrastés semblent scintiller et couler. Des lignes qui se resserrent peu à peu ou des carrés qui rapetissent progressivement se lisent comme des surfaces courbées dans l’espace, et les figures ambiguës, comme les cubes de Vasarely, basculent entre deux façons de voir. L’artiste tend le piège ; les yeux du spectateur font le reste.

L’op art partout

Au milieu des années 1960, l’op art quitte la galerie. Robes, foulards et collants op art en noir et blanc envahissent les boutiques, pochettes de disques et affiches empruntent ses spirales et ses rayures, et les designers utilisent ses motifs dans les intérieurs et la publicité. Vasarely se réjouit de cette diffusion : en 1972, il redessine le logo de Renault avec son fils Yvaral et, en 1976, il ouvre la Fondation Vasarely à Aix-en-Provence, un bâtiment de salles hexagonales reliées qu’il a lui-même conçu pour montrer ses œuvres monumentales et réunir l’art et l’architecture. Des musées consacrés à son œuvre ouvrent aussi à Pécs et à Budapest, dans sa Hongrie natale.

La Fondation Vasarely à Aix-en-Provence, un bâtiment de salles hexagonales dont les murs portent des cercles noirs et blancs dans des carrés — La Fondation Vasarely à Aix-en-Provence, conçue par Victor Vasarely et inaugurée en 1976.

Après les années 1960

À la fin des années 1960, la mode de l’op art s’est estompée, mais les artistes continuent. Bridget Riley se tourne vers la couleur à partir de 1967, peignant des rayures, des courbes et, après un voyage en Égypte en 1979–1980, des losanges chatoyants dans une palette inspirée de l’art de l’Égypte ancienne. Vasarely continue de développer son alphabet plastique jusqu’à sa mort en 1997. Les idées de l’op art – un art fait de règles, d’unités répétées et de motifs précis – annoncent l’art par ordinateur et le design numérique, et ses illusions survivent dans le graphisme, la mode, l’architecture et les écrans que nous regardons chaque jour.

Un hommage numérique dans PictorX

L’application Op art de PictorX est un hommage numérique à ces artistes. Ce n’est ni une reproduction de l’une de leurs œuvres ni une copie par IA : chaque image est construite à partir de votre propre photo, dont les tons et les couleurs décident de la taille de chaque sphère, de chaque disque et de chaque carré et de l’épaisseur de chaque ligne. Elle part de Galatée aux sphères (1952) de Salvador Dalí, un portrait fait de sphères flottantes, et y ajoute les grilles qui enflent de Vasarely ainsi que les vagues et les damiers de Bridget Riley. Le véritable op art se voit mieux en vrai : au Museum of Modern Art de New York, à la Tate de Londres, au Centre Pompidou à Paris, au Buffalo AKG Art Museum, à la Fondation Vasarely à Aix-en-Provence et dans les musées Vasarely de Hongrie.

Un portrait de femme dessiné en lignes ondulées noires et blanches qui se détache d’un fond de vagues orientées dans l’autre sens, réalisé avec l’application Op art de PictorX

Créez votre propre op art dans PictorX

Ouvrez l’application Op art et chargez une photo – un portrait au sujet bien net fonctionne le mieux. Choisissez un Style – Sphères, Vega, Vagues, Carrés, Anneaux ou Cubes – ou partez d’un favori comme Galatée aux sphères, Vega, Riley – Courant ou Zèbre. Choisissez une Palette – Photo, Noir et blanc, Vasarely, Riley, Néon ou Pastel – et un Arrière-plan : le motif sur toute l’image, un contre-motif, le ciel et la mer de Galatée ou un fond uni. Réglez ensuite Taille, Distorsion, Contraste, Ombrage et Angle, cliquez ou faites glisser sur l’image pour déplacer le centre de l’illusion, et activez Supprimer l’arrière-plan pour un détourage net. Enregistrez un PNG ou poursuivez l’édition dans PictorX.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que l’op art ?

L’op art, ou art optique, est un style d’art abstrait des années 1960 fait de motifs géométriques précis – lignes, carrés, cercles – qui semblent bouger, se gonfler ou vibrer sur une surface plane. Son sujet est la perception elle-même.

Quels sont les artistes de l’op art les plus connus ?

Victor Vasarely et Bridget Riley sont les plus célèbres. Parmi les autres figurent Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc, Yaacov Agam et Richard Anuszkiewicz.

Pourquoi l’op art semble-t-il bouger ?

Les forts contrastes, les fines lignes répétées et les changements progressifs de taille ou d’espacement jouent sur la façon dont l’œil et le cerveau perçoivent les bords, la profondeur et le mouvement. Comme l’œil n’est jamais complètement immobile, ces motifs semblent scintiller, couler ou se bomber.

Quelle est la différence entre l’op art et le pop art ?

Le pop art, des mêmes années, empruntait ses images à la bande dessinée, à la publicité et aux célébrités. L’op art est abstrait : il ne montre aucun objet et utilise la géométrie pour créer des illusions. Le nom op art a été forgé par jeu de mots avec pop art.

Puis-je faire de l’op art à partir d’une photo ?

Oui. L’application Op art de PictorX recompose votre photo avec des sphères, des disques, des vagues, des carrés, des anneaux ou des cubes, à la manière de Dalí, Vasarely et Riley.

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