L’op art | Vasarely, Bridget Riley, The Responsive Eye e l’arte dell’illusione ottica

Che cos’è l’op art?

L’op art, abbreviazione di «optical art» (arte ottica), è uno stile di pittura astratta che ha conquistato il mondo dell’arte a metà degli anni Sessanta. I suoi quadri sono fatti soltanto di forme geometriche precise – strisce, scacchiere, cerchi, punti e quadrati –, di solito in un bianco e nero fortemente contrastato o in colori vivaci. Disposte con grande cura, queste forme semplici ingannano l’occhio: tele piatte sembrano gonfiarsi, ondeggiare, tremolare, ruotare o vibrare, e alcune danno persino un leggero capogiro. L’op art non racconta storie e non mostra il mondo; il suo soggetto è l’atto stesso del vedere. Il nome comparve per la prima volta sulla rivista Time nel 1964, come controparte della pop art.

Antiche illusioni, arte nuova

L’op art affonda le radici nella scienza e nel Bauhaus. Nell’Ottocento gli psicologi raccolsero illusioni ottiche che mostrano quanto facilmente l’occhio si lasci ingannare: nella griglia di Hermann del 1870, macchie grigie tremolano agli incroci di linee bianche su fondo nero, anche se non ci sono. Negli anni Venti il Bauhaus insegnava agli artisti a studiare la percezione e a costruire immagini con elementi semplici, e insegnanti come Josef Albers esploravano il modo in cui i colori si modificano a vicenda. I Rotoreliefs rotanti di Marcel Duchamp del 1935 trasformavano già cerchi piatti in profondità in movimento. Gli artisti ottici degli anni Cinquanta e Sessanta fecero di questi effetti lo scopo stesso del quadro.

Una griglia di Hermann: un quadrato nero attraversato da linee bianche, agli incroci delle quali sembrano tremolare macchie grigie — La griglia di Hermann, descritta da Ludimar Hermann nel 1870: agli incroci delle linee bianche compaiono macchie grigie, anche se non ci sono.

Victor Vasarely, il padre dell’op art

Il pittore di origine ungherese Victor Vasarely (1906–1997) è spesso chiamato il padre dell’op art. Nato a Pécs, studiò a Budapest in una piccola scuola nota come il «Bauhaus di Budapest» e nel 1930 si trasferì a Parigi, dove lavorò per anni come grafico per agenzie pubblicitarie. Nel 1937 realizzò Zebre: strisce bianche e nere che si curvano formando due zebre senza un solo contorno – una delle prime opere di op art. Nel 1955 pubblicò il suo Manifesto giallo per la mostra Le Mouvement alla Galerie Denise René di Parigi, chiedendo un’arte del movimento e della percezione, fatta con tecniche nuove e aperta a tutti.

Victor Vasarely nel 1978 — Victor Vasarely, 1978.

Vega: la griglia che si gonfia

Dagli anni Sessanta Vasarely costruì i suoi quadri con quelle che chiamava unità plastiche: un quadrato colorato con dentro una forma più piccola – un cerchio, un quadrato o un rombo – in un colore contrastante. Combinate come le lettere di un alfabeto, queste unità potevano essere ripetute, ricolorate e stampate all’infinito, il che si sposava con il suo sogno di un’arte per tutti, venduta come stampe a prezzi accessibili. Nella serie Vega della fine degli anni Sessanta, una scacchiera di queste unità sembra gonfiarsi in una sfera: i quadrati e i cerchi crescono verso il centro e si rimpiccioliscono verso i bordi, così che la tela piatta si inarca verso chi guarda. Vega-Nor (1969), al Buffalo AKG Art Museum, ne è un esempio famoso.

Vega-Nor di Vasarely: una scacchiera di quadrati e cerchi colorati che si gonfia verso il centro come una sfera — Victor Vasarely, Vega-Nor, 1969. Olio su tela, Buffalo AKG Art Museum.

Bridget Riley in bianco e nero

La pittrice britannica Bridget Riley, nata a Londra nel 1931, si fece conoscere all’inizio degli anni Sessanta con quadri in bianco e nero. In Movement in Squares (1961) una semplice scacchiera viene compressa verso una linea verticale, e la superficie sembra ripiegarsi e tornare indietro. In Fall (1963) e Current (1964) sottili linee nere si curvano e si stringono finché l’intera tela sembra scorrere e luccicare. Riley progettava ogni opera con studi precisi e in seguito lavorò con assistenti che dipingevano le tele definitive. Nel 1968 fu la prima donna a vincere il Premio internazionale per la pittura alla Biennale di Venezia.

Movement in Squares di Bridget Riley: una scacchiera in bianco e nero i cui quadrati si restringono verso una linea verticale, così che la superficie sembra piegarsi — Bridget Riley, Movement in Squares, 1961. Tempera su pannello di fibra, Arts Council Collection, Londra.

The Responsive Eye

Nel 1965 il Museum of Modern Art di New York inaugurò The Responsive Eye, una mostra di oltre cento opere di artisti di molti paesi, curata da William C. Seitz. Current di Riley era sulla copertina del catalogo. La mostra ebbe un enorme successo di pubblico e nel giro di poche settimane motivi op art comparvero su abiti, vetrine, manifesti e pubblicità. Molti critici, però, liquidarono lo stile come una trovata passeggera, e Riley rimase sconcertata nel vedere le sue opere copiate su vestiti nelle vetrine di New York. La mostra rese famosa l’op art – e la rese di moda quasi troppo in fretta.

Luce, colore e movimento in America Latina

Alcune delle opere ottiche più inventive vennero dall’America Latina. Il venezuelano Jesús Rafael Soto (1923–2005) appese file di sottili aste davanti a sfondi a strisce, così che l’opera sembra vibrare quando ci si passa davanti, e costruì i Penetrables, spazi di fili sospesi da attraversare a piedi. Il suo connazionale Carlos Cruz-Diez (1923–2019) studiò come i colori si mescolano nell’occhio, nelle sue Fisicromie e in enormi opere negli spazi pubblici, come il pavimento a strisce dell’aeroporto che serve Caracas. A Parigi l’argentino Julio Le Parc e il Groupe de Recherche d’Art Visuel crearono opere che giocano con la luce e il movimento, vicine all’arte cinetica.

Viaggiatori camminano sul pavimento a strisce colorate di Carlos Cruz-Diez nell’aeroporto che serve Caracas — Carlos Cruz-Diez, Cromointerferencia de color aditivo, il pavimento dell’Aeroporto internazionale Simón Bolívar di Maiquetía, che serve Caracas.

Perché le immagini sembrano muoversi

L’op art agisce sul modo in cui l’occhio e il cervello elaborano ciò che vedono. I bordi netti tra bianco e nero spingono l’occhio a esagerare il contrasto, ed è per questo che fantasmi grigi compaiono tra linee chiare. Sottili linee ripetute che si sovrappongono creano effetti moiré, bande luccicanti che si spostano al minimo movimento della testa. Poiché l’occhio non sta mai fermo ma compie piccoli movimenti continui, i motivi ad alto contrasto sembrano tremolare e scorrere. Linee che si stringono a poco a poco o quadrati che si rimpiccioliscono gradualmente si leggono come superfici curve nello spazio, e figure ambigue, come i cubi di Vasarely, oscillano tra due modi di vedere. L’artista tende la trappola; gli occhi di chi guarda fanno il resto.

L’op art ovunque

A metà degli anni Sessanta l’op art uscì dalle gallerie. Abiti, foulard e collant op art in bianco e nero riempirono le boutique, copertine di dischi e manifesti presero in prestito le sue spirali e strisce, e i designer usarono i suoi motivi negli interni e nella pubblicità. Vasarely accolse con favore questa diffusione: nel 1972 ridisegnò il logo della Renault con il figlio Yvaral e nel 1976 aprì la Fondation Vasarely ad Aix-en-Provence, un edificio di sale esagonali collegate che progettò lui stesso per esporre le sue opere monumentali e unire arte e architettura. Musei dedicati alla sua opera furono aperti anche a Pécs e a Budapest, nella sua Ungheria natale.

La Fondation Vasarely ad Aix-en-Provence, un edificio di sale esagonali con cerchi bianchi e neri in quadrati sulle pareti — La Fondation Vasarely ad Aix-en-Provence, progettata da Victor Vasarely e inaugurata nel 1976.

Dopo gli anni Sessanta

Alla fine degli anni Sessanta la moda dell’op art era svanita, ma gli artisti andarono avanti. Bridget Riley passò al colore dal 1967, dipingendo strisce, curve e, dopo un viaggio in Egitto nel 1979–80, rombi luccicanti in una tavolozza ispirata all’arte dell’antico Egitto. Vasarely continuò a sviluppare il suo alfabeto plastico fino alla morte, nel 1997. Le idee dell’op art – un’arte fatta di regole, unità ripetute e motivi precisi – anticiparono la computer art e il design digitale, e le sue illusioni sopravvivono nella grafica, nella moda, nell’architettura e negli schermi che guardiamo ogni giorno.

Un omaggio digitale in PictorX

L’app Op art di PictorX è un omaggio digitale a questi artisti. Non è la riproduzione di nessuna delle loro opere né una copia fatta dall’IA: ogni immagine è costruita a partire dalla tua foto, i cui toni e colori decidono la dimensione di ogni sfera, disco e quadrato e lo spessore di ogni linea. Comincia con Galatea delle sfere (1952) di Salvador Dalí, un ritratto fatto di sfere sospese, e aggiunge le griglie che si gonfiano di Vasarely e le onde e le scacchiere di Bridget Riley. La vera op art si apprezza meglio dal vivo: al Museum of Modern Art di New York, alla Tate di Londra, al Centre Pompidou di Parigi, al Buffalo AKG Art Museum, alla Fondation Vasarely di Aix-en-Provence e nei musei Vasarely in Ungheria.

Il ritratto di una donna disegnato con linee ondulate bianche e nere che risalta su uno sfondo di onde che corrono nel verso opposto, realizzato con l’app Op art di PictorX

Crea la tua op art in PictorX

Apri l’app Op art e carica una foto – un ritratto con un soggetto ben definito funziona meglio. Scegli uno Stile – Sfere, Vega, Onde, Quadrati, Anelli o Cubi – oppure parti da un preferito come Galatea delle sfere, Vega, Riley – Corrente o Zebra. Scegli una Tavolozza – Foto, Bianco e nero, Vasarely, Riley, Neon o Pastello – e uno Sfondo: il motivo su tutta l’immagine, un contromotivo, il cielo e il mare di Galatea o un fondo semplice. Poi usa Dimensioni, Distorsione, Contrasto, Ombreggiatura e Angolo, fai clic o trascina sull’immagine per spostare il centro dell’illusione e attiva Rimuovi sfondo per un ritaglio pulito. Salva un PNG o continua a modificare in PictorX.

Domande frequenti

Che cos’è l’op art?

L’op art, o arte ottica, è uno stile di arte astratta degli anni Sessanta fatto di motivi geometrici precisi – linee, quadrati, cerchi – che sembrano muoversi, gonfiarsi o vibrare su una superficie piatta. Il suo soggetto è la percezione stessa.

Chi sono gli artisti op art più noti?

Victor Vasarely e Bridget Riley sono i più famosi. Tra gli altri ci sono Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc, Yaacov Agam e Richard Anuszkiewicz.

Perché l’op art sembra muoversi?

Forti contrasti, sottili linee ripetute e cambiamenti graduali di dimensione o di spaziatura giocano sul modo in cui l’occhio e il cervello percepiscono bordi, profondità e movimento. Poiché l’occhio non è mai del tutto fermo, questi motivi sembrano tremolare, scorrere o gonfiarsi.

Qual è la differenza tra op art e pop art?

La pop art, degli stessi anni, prendeva in prestito immagini da fumetti, pubblicità e celebrità. L’op art è astratta: non mostra alcun oggetto e usa la geometria per creare illusioni. Il nome op art fu coniato come gioco di parole su pop art.

Posso creare op art da una foto?

Sì. L’app Op art di PictorX ricostruisce la tua foto con sfere, dischi, onde, quadrati, anelli o cubi alla maniera di Dalí, Vasarely e Riley.

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