El op art
Descubre el op art – el arte de los años sesenta que hace que imágenes planas se hinchen, ondulen y parpadeen con nada más que franjas, cuadrados y círculos, de Victor Vasarely y Bridget Riley a Soto y Cruz-Diez – y convierte una foto en una ilusión óptica con la app Op art de PictorX.
¿Qué es el op art?
El op art, abreviatura de «optical art» (arte óptico), es un estilo de pintura abstracta que conquistó el mundo del arte a mediados de los años sesenta. Sus cuadros están hechos solo de formas geométricas precisas – franjas, tableros de ajedrez, círculos, puntos y cuadrados –, por lo general en un blanco y negro de fuerte contraste o en colores vivos. Dispuestas con gran cuidado, estas formas sencillas engañan al ojo: lienzos planos parecen abombarse, ondular, parpadear, girar o vibrar, y algunos incluso marean un poco al espectador. El op art no cuenta una historia ni muestra el mundo; su tema es el propio acto de ver. El nombre apareció impreso por primera vez en la revista Time en 1964, como contrapartida del pop art.
Viejas ilusiones, arte nuevo
El op art tenía raíces en la ciencia y en la Bauhaus. En el siglo XIX los psicólogos reunieron ilusiones ópticas que muestran con qué facilidad se engaña el ojo: en la cuadrícula de Hermann de 1870, unas manchas grises parpadean en los cruces de líneas blancas sobre fondo negro, aunque no hay ninguna. En los años veinte la Bauhaus enseñaba a los artistas a estudiar la percepción y a construir imágenes con elementos sencillos, y profesores como Josef Albers exploraron cómo los colores se transforman unos a otros. Los Rotorrelieves giratorios de Marcel Duchamp, de 1935, ya convertían círculos planos en profundidad en movimiento. Los artistas ópticos de los años cincuenta y sesenta hicieron de esos efectos la razón de ser del cuadro.
Victor Vasarely, el padre del op art
El pintor de origen húngaro Victor Vasarely (1906–1997) es llamado a menudo el padre del op art. Nacido en Pécs, estudió en Budapest en una pequeña escuela conocida como la «Bauhaus de Budapest» y en 1930 se trasladó a París, donde trabajó durante años como diseñador gráfico para agencias de publicidad. En 1937 creó Cebras: franjas blancas y negras que se curvan para formar dos cebras sin un solo contorno, una de las primeras obras del op art. En 1955 publicó su Manifiesto amarillo para la exposición Le Mouvement en la Galerie Denise René de París, en el que reclamaba un arte del movimiento y de la percepción, hecho con técnicas nuevas y abierto a todos.
Vega: la cuadrícula que se hincha
A partir de los años sesenta Vasarely construyó sus cuadros con lo que llamaba unidades plásticas: un cuadrado de color con una forma más pequeña dentro – un círculo, un cuadrado o un rombo – en un color contrastante. Combinadas como las letras de un alfabeto, estas unidades podían repetirse, cambiar de color e imprimirse sin fin, lo que encajaba con su sueño de un arte para todos, vendido en grabados asequibles. En su serie Vega de finales de los años sesenta, un tablero de esas unidades parece hincharse en una esfera: los cuadrados y los círculos crecen hacia el centro y se encogen hacia los bordes, de modo que el lienzo plano se abomba hacia el espectador. Vega-Nor (1969), en el Buffalo AKG Art Museum, es un ejemplo famoso.
Bridget Riley en blanco y negro
La pintora británica Bridget Riley, nacida en Londres en 1931, se dio a conocer a principios de los años sesenta con cuadros en blanco y negro. En Movement in Squares (1961) un sencillo tablero de ajedrez se comprime hacia una línea vertical, y la superficie parece plegarse y volver. En Fall (1963) y Current (1964) finas líneas negras se curvan y se estrechan hasta que todo el lienzo parece fluir y destellar. Riley planificaba cada obra con estudios exactos y más tarde trabajó con asistentes que pintaban los lienzos definitivos. En 1968 se convirtió en la primera mujer en ganar el Premio Internacional de Pintura de la Bienal de Venecia.
The Responsive Eye
En 1965 el Museum of Modern Art de Nueva York inauguró The Responsive Eye, una exposición de más de cien obras de artistas de muchos países, comisariada por William C. Seitz. Current de Riley ocupaba la portada del catálogo. La muestra fue un enorme éxito de público y, en pocas semanas, los motivos op art aparecieron en vestidos, escaparates, carteles y anuncios. Muchos críticos, sin embargo, despacharon el estilo como un truco pasajero, y Riley se sintió consternada al ver su obra copiada en ropa en los escaparates de Nueva York. La exposición hizo famoso el op art – y lo puso de moda casi demasiado deprisa.
Luz, color y movimiento en América Latina
Algunas de las obras ópticas más ingeniosas llegaron de América Latina. El venezolano Jesús Rafael Soto (1923–2005) colgó hileras de finas varillas delante de fondos rayados, de modo que la obra parece vibrar al pasar por delante, y construyó Penetrables, espacios de hilos colgantes que se pueden atravesar. Su compatriota Carlos Cruz-Diez (1923–2019) investigó cómo se mezclan los colores en el ojo, en sus Fisicromías y en enormes obras en espacios públicos, como el suelo rayado del aeropuerto que sirve a Caracas. En París, el argentino Julio Le Parc y el Groupe de Recherche d’Art Visuel crearon obras que juegan con la luz y el movimiento, cercanas al arte cinético.
Por qué las imágenes parecen moverse
El op art actúa sobre la manera en que el ojo y el cerebro procesan lo que ven. Los bordes nítidos entre el negro y el blanco hacen que el ojo exagere el contraste, y por eso aparecen fantasmas grises entre líneas claras. Las líneas finas repetidas que se superponen crean patrones de moiré, bandas brillantes que se desplazan con el más leve movimiento de la cabeza. Como el ojo nunca está quieto, sino que hace movimientos diminutos y constantes, los patrones de alto contraste parecen parpadear y fluir. Las líneas que se estrechan poco a poco o los cuadrados que se encogen gradualmente se leen como superficies curvadas en el espacio, y las figuras ambiguas, como los cubos de Vasarely, saltan entre dos maneras de ver. El artista tiende la trampa; los ojos del espectador hacen el resto.
El op art en todas partes
A mediados de los años sesenta el op art salió de la galería. Vestidos, pañuelos y medias op art en blanco y negro llenaron las boutiques, las portadas de discos y los carteles tomaron prestadas sus espirales y franjas, y los diseñadores usaron sus motivos en interiores y publicidad. Vasarely celebró esta difusión: en 1972 rediseñó el logotipo de Renault con su hijo Yvaral y en 1976 abrió la Fondation Vasarely en Aix-en-Provence, un edificio de salas hexagonales unidas que él mismo diseñó para mostrar sus obras monumentales y reunir arte y arquitectura. También se abrieron museos de su obra en Pécs y Budapest, en su Hungría natal.
Después de los sesenta
A finales de los años sesenta la moda del op art se había desvanecido, pero los artistas siguieron adelante. Bridget Riley se pasó al color a partir de 1967 y pintó franjas, curvas y, tras un viaje a Egipto en 1979–80, rombos brillantes en una paleta inspirada en el arte del antiguo Egipto. Vasarely siguió desarrollando su alfabeto plástico hasta su muerte en 1997. Las ideas del op art – un arte hecho de reglas, unidades repetidas y patrones precisos – anticiparon el arte por ordenador y el diseño digital, y sus ilusiones perviven en el diseño gráfico, la moda, la arquitectura y las pantallas que miramos cada día.
Un homenaje digital en PictorX
La app Op art de PictorX es un homenaje digital a estos artistas. No es una reproducción de ninguna de sus obras ni una copia hecha con IA: cada imagen se construye a partir de tu propia foto, cuyos tonos y colores deciden el tamaño de cada esfera, disco y cuadrado y el grosor de cada línea. Empieza con Galatea de las esferas (1952) de Salvador Dalí, un retrato hecho de esferas flotantes, y añade las cuadrículas que se hinchan de Vasarely y las ondas y tableros de Bridget Riley. El op art auténtico se aprecia mejor en persona: en el Museum of Modern Art de Nueva York, la Tate de Londres, el Centre Pompidou de París, el Buffalo AKG Art Museum, la Fondation Vasarely de Aix-en-Provence y los museos Vasarely de Hungría.
Crea tu propio op art en PictorX
Abre la app Op art y carga una foto: un retrato con un sujeto claro funciona mejor. Elige un Estilo – Esferas, Vega, Ondas, Cuadrados, Anillos o Cubos – o parte de un favorito como Galatea de las esferas, Vega, Riley – Corriente o Cebra. Elige una Paleta – Foto, Blanco y negro, Vasarely, Riley, Neón o Pastel – y un Fondo: el patrón sobre toda la imagen, un contramotivo, el cielo y el mar de Galatea o un fondo liso. Después usa Tamaño, Distorsión, Contraste, Sombreado y Ángulo, haz clic o arrastra sobre la imagen para mover el centro de la ilusión y activa Quitar fondo para un recorte limpio. Guarda un PNG o sigue editando en PictorX.
Preguntas frecuentes
¿Qué es el op art?
El op art, o arte óptico, es un estilo de arte abstracto de los años sesenta hecho de patrones geométricos precisos – líneas, cuadrados, círculos – que parecen moverse, hincharse o vibrar sobre una superficie plana. Su tema es la propia percepción.
¿Quiénes son los artistas del op art más conocidos?
Victor Vasarely y Bridget Riley son los más famosos. Otros son Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc, Yaacov Agam y Richard Anuszkiewicz.
¿Por qué el op art parece moverse?
Los fuertes contrastes, las líneas finas repetidas y los cambios graduales de tamaño o de espaciado juegan con la manera en que el ojo y el cerebro perciben los bordes, la profundidad y el movimiento. Como el ojo nunca está del todo quieto, esos patrones parecen parpadear, fluir o abombarse.
¿Cuál es la diferencia entre el op art y el pop art?
El pop art, de los mismos años, tomaba imágenes del cómic, la publicidad y las celebridades. El op art es abstracto: no muestra ningún objeto y usa la geometría para crear ilusiones. El nombre op art se acuñó como juego de palabras con pop art.
¿Puedo hacer op art a partir de una foto?
Sí. La app Op art de PictorX reconstruye tu foto con esferas, discos, ondas, cuadrados, anillos o cubos a la manera de Dalí, Vasarely y Riley.
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