Sobre a op art | Vasarely, Bridget Riley, The Responsive Eye e a arte da ilusão de ótica

O que é a op art?

A op art, abreviatura de «optical art» (arte ótica), é um estilo de pintura abstrata que conquistou o mundo da arte em meados dos anos 1960. Os seus quadros são feitos apenas de formas geométricas precisas – riscas, tabuleiros de xadrez, círculos, pontos e quadrados –, geralmente num preto e branco de forte contraste ou em cores vivas. Dispostas com grande cuidado, estas formas simples enganam o olho: telas planas parecem abaular, ondular, tremeluzir, girar ou vibrar, e algumas chegam a deixar o observador ligeiramente tonto. A op art não conta uma história nem mostra o mundo; o seu tema é o próprio ato de ver. O nome apareceu impresso pela primeira vez na revista Time em 1964, como contraponto à pop art.

Velhas ilusões, arte nova

A op art tinha raízes na ciência e na Bauhaus. No século XIX, os psicólogos reuniram ilusões de ótica que mostram como o olho se deixa enganar facilmente: na grelha de Hermann de 1870, manchas cinzentas tremeluzem nos cruzamentos de linhas brancas sobre fundo preto, embora não haja nenhuma. Nos anos 1920, a Bauhaus ensinava os artistas a estudar a perceção e a construir imagens com elementos simples, e professores como Josef Albers exploraram a forma como as cores se alteram umas às outras. Os Rotoreliefs giratórios de Marcel Duchamp, de 1935, já transformavam círculos planos em profundidade em movimento. Os artistas óticos dos anos 1950 e 1960 fizeram destes efeitos a razão de ser do quadro.

Uma grelha de Hermann: um quadrado preto atravessado por linhas brancas, em cujos cruzamentos parecem tremeluzir manchas cinzentas — A grelha de Hermann, descrita por Ludimar Hermann em 1870: surgem manchas cinzentas nos cruzamentos das linhas brancas, embora não haja nenhuma.

Victor Vasarely, o pai da op art

O pintor de origem húngara Victor Vasarely (1906–1997) é muitas vezes chamado o pai da op art. Nascido em Pécs, estudou em Budapeste numa pequena escola conhecida como a «Bauhaus de Budapeste» e em 1930 mudou-se para Paris, onde trabalhou durante anos como designer gráfico para agências de publicidade. Em 1937 criou Zebras: riscas pretas e brancas que se curvam para formar duas zebras sem um único contorno – uma das primeiras obras da op art. Em 1955 publicou o seu Manifesto Amarelo para a exposição Le Mouvement na Galerie Denise René, em Paris, defendendo uma arte do movimento e da perceção, feita com técnicas novas e aberta a todos.

Victor Vasarely em 1978 — Victor Vasarely, 1978.

Vega: a grelha que incha

A partir dos anos 1960, Vasarely construiu os seus quadros com aquilo a que chamava unidades plásticas: um quadrado colorido com uma forma mais pequena lá dentro – um círculo, um quadrado ou um losango – numa cor contrastante. Combinadas como as letras de um alfabeto, estas unidades podiam ser repetidas, recoloridas e impressas sem fim, o que servia o seu sonho de uma arte para todos, vendida em gravuras acessíveis. Na série Vega do final dos anos 1960, um tabuleiro destas unidades parece inchar numa esfera: os quadrados e os círculos crescem para o centro e encolhem para as margens, de modo que a tela plana se curva em direção ao observador. Vega-Nor (1969), no Buffalo AKG Art Museum, é um exemplo famoso.

Vega-Nor de Vasarely: um tabuleiro de quadrados e círculos coloridos que incha em direção ao centro como uma esfera — Victor Vasarely, Vega-Nor, 1969. Óleo sobre tela, Buffalo AKG Art Museum.

Bridget Riley a preto e branco

A pintora britânica Bridget Riley, nascida em Londres em 1931, tornou-se conhecida no início dos anos 1960 com quadros a preto e branco. Em Movement in Squares (1961), um simples tabuleiro de xadrez é comprimido em direção a uma linha vertical, e a superfície parece dobrar-se e regressar. Em Fall (1963) e Current (1964), finas linhas pretas curvam-se e apertam-se até toda a tela parecer fluir e cintilar. Riley planeava cada obra com estudos exatos e mais tarde trabalhou com assistentes que pintavam as telas finais. Em 1968 tornou-se a primeira mulher a ganhar o Prémio Internacional de Pintura na Bienal de Veneza.

Movement in Squares de Bridget Riley: um tabuleiro a preto e branco cujos quadrados se estreitam em direção a uma linha vertical, de modo que a superfície parece dobrar-se — Bridget Riley, Movement in Squares, 1961. Têmpera sobre placa de fibra, Arts Council Collection, Londres.

The Responsive Eye

Em 1965, o Museum of Modern Art de Nova Iorque inaugurou The Responsive Eye, uma exposição de mais de cem obras de artistas de muitos países, com curadoria de William C. Seitz. Current, de Riley, estava na capa do catálogo. A mostra foi um enorme sucesso de público e, em poucas semanas, padrões op art surgiram em vestidos, montras, cartazes e anúncios. Muitos críticos, porém, desvalorizaram o estilo como um truque passageiro, e Riley ficou consternada ao ver a sua obra copiada em roupa nas montras de Nova Iorque. A exposição tornou a op art famosa – e pô-la na moda quase depressa demais.

Luz, cor e movimento na América Latina

Algumas das obras óticas mais engenhosas vieram da América Latina. O venezuelano Jesús Rafael Soto (1923–2005) pendurou filas de varetas finas diante de fundos listrados, de modo que a obra parece vibrar quando se passa por ela, e construiu Penetráveis, espaços de fios suspensos que se podem atravessar. O seu compatriota Carlos Cruz-Diez (1923–2019) explorou a forma como as cores se misturam no olho, nas suas Fisicromias e em obras enormes em espaços públicos, como o chão listrado do aeroporto que serve Caracas. Em Paris, o argentino Julio Le Parc e o Groupe de Recherche d’Art Visuel criaram obras que jogam com a luz e o movimento, próximas da arte cinética.

Viajantes caminham sobre o chão de riscas coloridas de Carlos Cruz-Diez no aeroporto que serve Caracas — Carlos Cruz-Diez, Cromointerferencia de color aditivo, o chão do Aeroporto Internacional Simón Bolívar, em Maiquetía, que serve Caracas.

Porque é que as imagens parecem mexer-se

A op art atua sobre a forma como o olho e o cérebro processam o que veem. As arestas nítidas entre o preto e o branco levam o olho a exagerar o contraste, e é por isso que surgem fantasmas cinzentos entre linhas claras. Linhas finas repetidas que se sobrepõem criam padrões de moiré, faixas cintilantes que se deslocam com o mais leve movimento da cabeça. Como o olho nunca está parado e faz movimentos minúsculos e constantes, os padrões de alto contraste parecem tremeluzir e fluir. Linhas que se apertam aos poucos ou quadrados que encolhem gradualmente leem-se como superfícies curvas no espaço, e figuras ambíguas, como os cubos de Vasarely, alternam entre duas formas de ver. O artista arma a armadilha; os olhos do observador fazem o resto.

A op art por todo o lado

Em meados dos anos 1960, a op art saiu da galeria. Vestidos, lenços e collants op art a preto e branco encheram as boutiques, capas de discos e cartazes tomaram emprestadas as suas espirais e riscas, e os designers usaram os seus padrões em interiores e na publicidade. Vasarely acolheu esta difusão: em 1972 redesenhou o logótipo da Renault com o filho Yvaral e em 1976 abriu a Fondation Vasarely em Aix-en-Provence, um edifício de salas hexagonais interligadas que ele próprio desenhou para mostrar as suas obras monumentais e unir arte e arquitetura. Também abriram museus da sua obra em Pécs e Budapeste, na sua Hungria natal.

A Fondation Vasarely em Aix-en-Provence, um edifício de salas hexagonais com círculos pretos e brancos dentro de quadrados nas paredes — A Fondation Vasarely em Aix-en-Provence, desenhada por Victor Vasarely e inaugurada em 1976.

Depois dos anos 1960

No final dos anos 1960 a moda da op art tinha passado, mas os artistas continuaram. Bridget Riley voltou-se para a cor a partir de 1967, pintando riscas, curvas e, depois de uma viagem ao Egito em 1979–80, losangos cintilantes numa paleta inspirada na arte do antigo Egito. Vasarely continuou a desenvolver o seu alfabeto plástico até à morte, em 1997. As ideias da op art – uma arte feita de regras, unidades repetidas e padrões precisos – anteciparam a arte por computador e o design digital, e as suas ilusões continuam vivas no design gráfico, na moda, na arquitetura e nos ecrãs para que olhamos todos os dias.

Uma homenagem digital no PictorX

A app Op art do PictorX é uma homenagem digital a estes artistas. Não é uma reprodução de nenhuma das suas obras nem uma cópia feita por IA: cada imagem é construída a partir da sua própria foto, cujos tons e cores decidem o tamanho de cada esfera, disco e quadrado e a espessura de cada linha. Começa com Galateia das Esferas (1952), de Salvador Dalí, um retrato feito de esferas a flutuar, e acrescenta as grelhas que incham de Vasarely e as ondas e tabuleiros de Bridget Riley. A verdadeira op art vê-se melhor ao vivo: no Museum of Modern Art de Nova Iorque, na Tate de Londres, no Centre Pompidou em Paris, no Buffalo AKG Art Museum, na Fondation Vasarely em Aix-en-Provence e nos museus Vasarely da Hungria.

O retrato de uma mulher desenhado em linhas onduladas pretas e brancas que sobressai de um fundo de ondas que correm no sentido contrário, feito com a app Op art do PictorX

Crie a sua própria op art no PictorX

Abra a app Op art e carregue uma foto – um retrato com um tema bem definido funciona melhor. Escolha um Estilo – Esferas, Vega, Ondas, Quadrados, Anéis ou Cubos – ou parta de um favorito como Galateia das Esferas, Vega, Riley – Corrente ou Zebra. Escolha uma Paleta – Foto, Preto e branco, Vasarely, Riley, Néon ou Pastel – e um Fundo: o padrão sobre toda a imagem, um contramotivo, o céu e o mar de Galateia ou um fundo simples. Depois use Tamanho, Distorção, Contraste, Sombreamento e Ângulo, clique ou arraste sobre a imagem para mover o centro da ilusão e ative Remover fundo para um recorte limpo. Guarde um PNG ou continue a editar no PictorX.

Perguntas frequentes

O que é a op art?

A op art, ou arte ótica, é um estilo de arte abstrata dos anos 1960 feito de padrões geométricos precisos – linhas, quadrados, círculos – que parecem mexer-se, inchar ou vibrar numa superfície plana. O seu tema é a própria perceção.

Quem são os artistas da op art mais conhecidos?

Victor Vasarely e Bridget Riley são os mais famosos. Outros incluem Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc, Yaacov Agam e Richard Anuszkiewicz.

Porque é que a op art parece mexer-se?

Contrastes fortes, linhas finas repetidas e mudanças graduais de tamanho ou de espaçamento jogam com a forma como o olho e o cérebro percebem arestas, profundidade e movimento. Como o olho nunca está completamente parado, estes padrões parecem tremeluzir, fluir ou abaular.

Qual é a diferença entre a op art e a pop art?

A pop art, dos mesmos anos, ia buscar imagens à banda desenhada, à publicidade e às celebridades. A op art é abstrata: não mostra objeto nenhum e usa a geometria para criar ilusões. O nome op art foi cunhado como jogo de palavras com pop art.

Posso fazer op art a partir de uma foto?

Sim. A app Op art do PictorX reconstrói a sua foto com esferas, discos, ondas, quadrados, anéis ou cubos à maneira de Dalí, Vasarely e Riley.

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