옵아트에 대하여 | 바자렐리, 브리짓 라일리, 〈반응하는 눈〉 전시와 착시의 예술

옵아트란?

옵아트는 ‘옵티컬 아트(광학 예술)’의 줄임말로, 1960년대 중반 미술계를 휩쓴 추상 회화 양식입니다. 그 그림은 줄무늬, 체커보드, 원, 점, 사각형 같은 정확한 기하학적 형태로만 이루어지며, 대개 강한 대비의 흑백이나 선명한 색으로 그려집니다. 세심하게 배열된 이 단순한 형태들은 눈을 속입니다. 평평한 캔버스가 부풀고, 일렁이고, 깜박이고, 회전하거나 진동하는 것처럼 보이며, 어떤 작품은 보는 사람을 살짝 어지럽게 만들기도 합니다. 옵아트는 이야기를 들려주지도, 세상을 보여 주지도 않습니다. 그 주제는 ‘보는 행위’ 자체입니다. 이 이름은 1964년 『타임』지에 팝아트의 짝이 되는 말로 처음 등장했습니다.

오래된 착시, 새로운 예술

옵아트의 뿌리는 과학과 바우하우스에 있었습니다. 19세기 심리학자들은 눈이 얼마나 쉽게 속는지 보여 주는 착시를 모았습니다. 1870년의 헤르만 격자에서는 검은 바탕 위 흰 선들의 교차점에 회색 점이 깜박이지만, 실제로는 아무것도 없습니다. 1920년대 바우하우스는 예술가들에게 지각을 연구하고 단순한 요소로 화면을 짓는 법을 가르쳤고, 요제프 알베르스 같은 교사들은 색이 서로를 어떻게 바꾸는지 탐구했습니다. 마르셀 뒤샹이 1935년에 만든 회전하는 〈로토릴리프〉는 이미 평평한 원을 움직이는 깊이로 바꾸어 놓았습니다. 1950~60년대의 옵아트 작가들은 이런 효과 자체를 그림의 목적으로 삼았습니다.

헤르만 격자: 흰 선이 가로지르는 검은 사각형으로, 교차점마다 회색 점이 깜박이는 듯 보입니다 — 1870년 루디마르 헤르만이 기술한 헤르만 격자. 흰 선의 교차점에 회색 점이 나타나지만 실제로는 아무것도 없습니다.

옵아트의 아버지, 빅토르 바자렐리

헝가리 태생의 화가 빅토르 바자렐리(1906–1997)는 흔히 옵아트의 아버지로 불립니다. 페치에서 태어나 ‘부다페스트 바우하우스’로 알려진 작은 학교에서 공부한 뒤 1930년 파리로 옮겨, 여러 해 동안 광고 대행사의 그래픽 디자이너로 일했습니다. 1937년에는 〈얼룩말〉을 만들었습니다. 흰 줄과 검은 줄이 윤곽선 하나 없이 휘어져 두 마리의 얼룩말이 되는 작품으로, 최초의 옵아트 작품 가운데 하나입니다. 1955년에는 파리 드니즈 르네 갤러리의 전시 〈르 무브망(운동)〉을 위해 〈노란 선언〉을 발표하고, 새로운 기술로 만들어져 모두에게 열린, 운동과 지각의 예술을 요구했습니다.

〈베가〉: 부풀어 오르는 격자

1960년대부터 바자렐리는 그가 ‘조형 단위’라고 부른 것으로 그림을 지었습니다. 색을 칠한 사각형 안에 대비되는 색의 작은 형태, 곧 원이나 사각형이나 마름모를 넣은 것입니다. 알파벳 글자처럼 조합되는 이 단위는 끝없이 반복하고, 색을 바꾸고, 인쇄할 수 있었기에, 저렴한 판화로 팔리는 ‘모두를 위한 예술’이라는 그의 꿈에 잘 맞았습니다. 1960년대 말의 〈베가〉 연작에서는 이런 단위로 된 체커보드가 구체처럼 부풀어 오르는 듯 보입니다. 사각형과 원이 중심으로 갈수록 커지고 가장자리로 갈수록 작아져, 평평한 캔버스가 보는 사람 쪽으로 불룩 솟아오릅니다. 버펄로 AKG 미술관의 〈베가-노르〉(1969)가 유명한 예입니다.

바자렐리의 〈베가-노르〉: 색색의 사각형과 원으로 된 체커보드가 중심을 향해 구체처럼 부풀어 오릅니다 — 빅토르 바자렐리, 〈베가-노르〉(Vega-Nor), 1969. 캔버스에 유채, 버펄로 AKG 미술관.

흑백의 브리짓 라일리

1931년 런던에서 태어난 영국 화가 브리짓 라일리는 1960년대 초 흑백 회화로 이름을 알렸습니다. 〈사각형 속의 움직임〉(Movement in Squares, 1961)에서는 단순한 체커보드가 수직선 하나를 향해 압축되어, 화면이 접혔다가 다시 펴지는 것처럼 보입니다. 〈폴〉(Fall, 1963)과 〈흐름〉(Current, 1964)에서는 가는 검은 선들이 휘고 촘촘해져 마침내 캔버스 전체가 흐르고 반짝이는 듯 보입니다. 라일리는 모든 작품을 정밀한 습작으로 계획했고, 나중에는 최종 캔버스를 그리는 조수들과 함께 작업했습니다. 1968년에는 여성 최초로 베네치아 비엔날레 국제 회화상을 받았습니다.

브리짓 라일리의 〈사각형 속의 움직임〉: 흑백 체커보드의 사각형들이 수직선 하나를 향해 좁아져 화면이 접히는 것처럼 보입니다 — 브리짓 라일리, 〈사각형 속의 움직임〉(Movement in Squares), 1961. 하드보드에 템페라, 영국 예술위원회 컬렉션, 런던.

〈반응하는 눈〉

1965년 뉴욕 현대미술관(MoMA)은 윌리엄 C. 사이츠가 기획한 전시 〈반응하는 눈〉(The Responsive Eye)을 열어, 여러 나라 작가들의 작품 100여 점을 선보였습니다. 도록 표지는 라일리의 〈흐름〉이었습니다. 전시는 대중에게 큰 성공을 거두었고, 몇 주 만에 옵아트 무늬가 드레스, 쇼윈도, 포스터, 광고에 나타났습니다. 그러나 많은 비평가는 이 양식을 한때의 눈속임으로 깎아내렸고, 라일리는 뉴욕 쇼윈도의 옷에 자기 작품이 베껴진 것을 보고 낙담했습니다. 이 전시는 옵아트를 유명하게 만들었고, 거의 너무 빨리 유행으로 만들어 버렸습니다.

라틴아메리카의 빛, 색, 움직임

가장 독창적인 광학 예술 가운데 일부는 라틴아메리카에서 나왔습니다. 베네수엘라의 헤수스 라파엘 소토(1923–2005)는 줄무늬 배경 앞에 가는 막대를 여러 줄 매달아, 지나갈 때 작품이 진동하는 것처럼 보이게 했고, 매달린 실로 이루어져 그 사이를 걸어서 통과할 수 있는 공간 〈페네트라블〉을 만들었습니다. 같은 베네수엘라 출신의 카를로스 크루스디에스(1923–2019)는 색이 눈 속에서 어떻게 섞이는지를 〈피지크로미〉 연작과 공공장소의 거대한 작품으로 탐구했는데, 카라카스로 가는 공항의 줄무늬 바닥이 그 예입니다. 파리에서는 아르헨티나 출신의 훌리오 르 파르크와 ‘시각예술연구그룹’(GRAV)이 키네틱 아트에 가까운, 빛과 움직임을 가지고 노는 작품을 만들었습니다.

카라카스로 가는 공항에서 카를로스 크루스디에스의 알록달록한 줄무늬 바닥 위를 걷는 여행객들 — 카를로스 크루스디에스, 〈가법 혼색의 크로모인터페런스〉(Cromointerferencia de color aditivo). 카라카스의 관문인 마이케티아 시몬 볼리바르 국제공항의 바닥.

그림이 움직이는 것처럼 보이는 이유

옵아트는 눈과 뇌가 본 것을 처리하는 방식에 작용합니다. 검정과 흰색 사이의 날카로운 경계는 눈이 대비를 과장하게 만들어, 밝은 선들 사이에 회색 유령이 나타납니다. 겹쳐지는 가는 반복선은 모아레 무늬를 만드는데, 이 반짝이는 띠는 머리를 조금만 움직여도 미끄러지듯 움직입니다. 눈은 결코 가만히 있지 않고 끊임없이 아주 작은 움직임을 하기 때문에, 대비가 강한 무늬는 깜박이고 흐르는 것처럼 보입니다. 점점 촘촘해지는 선이나 점점 작아지는 사각형은 공간 속에서 휘어진 면으로 읽히고, 바자렐리의 정육면체 같은 모호한 도형은 두 가지 보는 방식 사이를 오갑니다. 예술가는 덫을 놓고, 나머지는 보는 사람의 눈이 해냅니다.

어디에나 있는 옵아트

1960년대 중반, 옵아트는 갤러리를 벗어났습니다. 흑백 옵아트 무늬의 드레스, 스카프, 타이츠가 부티크를 채웠고, 음반 재킷과 포스터는 그 나선과 줄무늬를 빌렸으며, 디자이너들은 실내 장식과 광고에 그 무늬를 썼습니다. 바자렐리는 이런 확산을 반겼습니다. 1972년에는 아들 이바랄과 함께 르노 로고를 새로 디자인했고, 1976년에는 엑상프로방스에 바자렐리 재단을 열었습니다. 서로 이어진 육각형 전시실로 된 이 건물은 그의 대형 작품을 보여 주고 예술과 건축을 하나로 잇기 위해 그가 직접 설계한 것입니다. 고국 헝가리의 페치와 부다페스트에도 그의 작품을 위한 미술관이 문을 열었습니다.

엑상프로방스의 바자렐리 재단. 육각형 전시실로 이루어진 건물로, 벽에는 사각형 안에 흑백 원이 그려져 있습니다 — 엑상프로방스의 바자렐리 재단. 빅토르 바자렐리가 설계했고 1976년에 문을 열었습니다.

60년대 이후

1960년대 말이 되자 옵아트 유행은 시들었지만, 작가들은 작업을 이어 갔습니다. 브리짓 라일리는 1967년부터 색으로 방향을 틀어 줄무늬와 곡선을 그렸고, 1979~80년 이집트 여행 뒤에는 고대 이집트 미술에서 영감을 얻은 색조로 반짝이는 마름모를 그렸습니다. 바자렐리는 1997년 세상을 떠날 때까지 조형 알파벳을 계속 발전시켰습니다. 규칙과 반복되는 단위와 정확한 무늬로 만드는 예술이라는 옵아트의 생각은 컴퓨터 아트와 디지털 디자인을 앞서 보여 주었고, 그 착시는 그래픽 디자인, 패션, 건축, 그리고 우리가 매일 들여다보는 화면 속에 살아 있습니다.

PictorX 속의 디지털 오마주

PictorX 옵아트 앱은 이 작가들에게 바치는 디지털 오마주입니다. 그들의 어떤 작품을 복제한 것도, AI가 만든 모작도 아닙니다. 모든 그림은 여러분 자신의 사진으로 지어지며, 사진의 명암과 색이 구체, 원반, 사각형 하나하나의 크기와 선 하나하나의 굵기를 정합니다. 출발점은 떠다니는 구체로 이루어진 초상화인 살바도르 달리의 〈구체의 갈라테아〉(1952)이며, 여기에 바자렐리의 부풀어 오르는 격자와 브리짓 라일리의 물결과 체커보드가 더해집니다. 진짜 옵아트는 직접 보는 것이 가장 좋습니다. 뉴욕 현대미술관, 런던 테이트, 파리 퐁피두 센터, 버펄로 AKG 미술관, 엑상프로방스의 바자렐리 재단, 그리고 헝가리의 바자렐리 미술관에서 볼 수 있습니다.

물결치는 흑백 선으로 그린 여성의 초상이 반대 방향으로 흐르는 물결 배경에서 도드라져 보입니다. PictorX 옵아트 앱으로 만들었습니다

PictorX에서 나만의 옵아트 만들기

옵아트 앱을 열고 사진을 불러오세요. 주제가 뚜렷한 초상화가 가장 잘 어울립니다. 스타일(구체, 베가, 물결, 사각형, 고리, 정육면체)을 고르거나, 구체의 갈라테아, 베가, 라일리 〈흐름〉, 얼룩말 같은 즐겨찾기에서 시작하세요. 팔레트(사진, 흑백, 바자렐리, 라일리, 네온, 파스텔)와 배경(그림 전체에 깔리는 무늬, 반대 패턴, 갈라테아의 하늘과 바다, 기본 바탕)을 고릅니다. 그런 다음 크기, 왜곡, 대비, 음영, 각도를 조절하고, 그림을 클릭하거나 드래그해 착시의 중심을 옮기고, ‘배경 제거’를 켜서 깔끔하게 오려 내세요. PNG로 저장하거나 PictorX에서 계속 편집할 수 있습니다. PictorX 서버에는 아무것도.