Über den Impressionismus | Monet, Renoir, Degas, Morisot & die Maler des Lichts

Was ist Impressionismus?

Der Impressionismus ist die Malweise, die in den 1860er- und 1870er-Jahren in Frankreich rund um Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Edgar Degas und Berthe Morisot entstand. Statt polierter Historienbilder aus dem Atelier malten sie die Welt um sich herum—Boulevards und Bahnhöfe, Cafés und Tanzlokale, Gärten, Flüsse und das Meer—und versuchten, einen flüchtigen Augenblick festzuhalten: das Licht einer Stunde, das Glitzern des Wassers, einen Windstoß im Gras. Ihre Bilder bestehen aus schnellen, sichtbaren Strichen leuchtender Farbe, die aus der Nähe grob wirken und sich zu Licht und Luft verbinden, wenn man einen Schritt zurücktritt.

Ein Porträt in kurzen, spitz zulaufenden impressionistischen Pinselstrichen vor einem Seerosenteich mit rosa und weißen Blüten, in einem vergoldeten Rahmen, erstellt mit dem PictorX-Filter Impressionismus

Paris 1874: die erste Ausstellung

Im Frankreich des 19. Jahrhunderts hing die Laufbahn eines Künstlers vom Salon ab, der offiziellen Ausstellung in Paris, deren Jury glatte, vollendete Bilder aus Geschichte, Mythologie und Religion bevorzugte. 1863 wurden so viele Werke abgelehnt, dass Kaiser Napoleon III. einen Salon des Refusés erlaubte, in dem die Menge über Édouard Manets „Le Déjeuner sur l'herbe“ lachte. Der Ablehnungen müde, gründeten Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley, Morisot, Cézanne und andere eine eigene Genossenschaft und eröffneten am 15. April 1874 eine unabhängige Ausstellung im ehemaligen Atelier des Fotografen Nadar am Boulevard des Capucines 35. Rund dreißig Künstler zeigten mehr als 160 Werke. Zehn Tage später verspottete der Kritiker Louis Leroy die Schau in der satirischen Zeitung Le Charivari unter dem Titel „Die Ausstellung der Impressionisten“—und der Spott wurde zum Namen der Bewegung. Es war die erste von acht Gruppenausstellungen bis 1886.

Impression, Sonnenaufgang

Das Gemälde, das der Bewegung ihren Namen gab, ist Monets „Impression, Sonnenaufgang“, eine Ansicht des Hafens von Le Havre, datiert 1872. Im graublauen Morgendunst lösen sich Schiffe, Kräne und Schornsteine auf; im Vordergrund sind kleine Ruderboote dunkle Silhouetten, und eine orangefarbene Sonne wirft einen gebrochenen Lichtstreifen über das Wasser. Es wurde schnell gemalt, nass in nass, mit dünnen Lasuren und wenigen Strichen reiner Farbe. Als man ihn nach einem Titel für den Katalog fragte, so erinnerte sich Monet später, habe das Bild kaum als Ansicht von Le Havre durchgehen können, also sagte er: „Schreiben Sie Impression.“ Leroy machte aus dem Wort eine Beleidigung. Heute hängt das Gemälde im Musée Marmottan Monet in Paris; es wurde 1985 gestohlen und 1990 wiedergefunden.

Malen unter freiem Himmel

Die Impressionisten erfanden das Malen im Freien nicht, aber sie machten es zu ihrer Arbeitsweise. Zwei Erfindungen halfen: die zusammendrückbare Farbtube aus Metall, 1841 vom amerikanischen Porträtmaler John Goffe Rand patentiert, und die leichte, zusammenklappbare Kastenstaffelei. Farbe musste nicht mehr im Atelier gerieben und angemischt werden, und die neuen Eisenbahnen brachten die Maler von Paris an die Ufer von Argenteuil und Bougival, in den Wald von Fontainebleau und an die Küste der Normandie. Renoir soll seinem Sohn gesagt haben, ohne Farben in Tuben hätte es keinen Cézanne, keinen Monet, keinen Sisley oder Pissarro und keinen Impressionismus gegeben. Malen en plein air hieß schnell malen, bevor sich das Licht änderte—manchmal abwechselnd an mehreren Leinwänden—, und das ist ein Grund für die lockere, skizzenhafte Pinselführung. Monets „Mohnblumen“ (1873), ein Sommerfeld bei Argenteuil, durch das seine Frau Camille und sein Sohn Jean zwischen roten Blüten gehen, wurde 1874 ausgestellt.

John Singer Sargents Gemälde von Claude Monet an seiner Staffelei am Waldrand, hinter ihm eine im Gras sitzende Frau — John Singer Sargent, Claude Monet beim Malen am Waldrand, um 1885. Öl auf Leinwand, Tate, London.

Monets Seerosen in Giverny

Monet malte dasselbe Motiv immer wieder zu verschiedenen Stunden und Jahreszeiten, um zu zeigen, wie das Licht es verändert: die Heuhaufen (1890–91), die Pappeln und die Fassade der Kathedrale von Rouen (1892–94). 1883 ließ er sich in Giverny nieder, einem Dorf an der Seine, und ab 1893 legte er einen Teich an, leitete einen Bach um, pflanzte Weiden, Iris und Seerosen und baute eine grüne japanische Brücke. In den letzten dreißig Jahren seines Lebens war der Wassergarten sein Hauptmotiv: Er malte rund 250 Seerosenbilder, in denen der Horizont verschwindet und die Leinwand nur noch aus Wasser, Blüten und den Spiegelungen von Himmel und Bäumen besteht. Selbst als der graue Star seine Sicht trübte, arbeitete er an riesigen Tafeln, den Grandes Décorations, die er dem französischen Staat schenkte; sie wurden in zwei ovalen Sälen des Musée de l'Orangerie in Paris aufgestellt und 1927, wenige Monate nach seinem Tod, für das Publikum geöffnet.

Monets Seerosenteich in Giverny mit der gewölbten japanischen Brücke, Weiden und schwimmenden Seerosen — Claude Monet, Der Seerosenteich, 1899. Öl auf Leinwand, National Gallery, London.

Renoir: Licht durch die Blätter

Pierre-Auguste Renoir begann als Porzellanmaler und malte Menschen lieber als Landschaften. Sein „Bal du moulin de la Galette“ (1876) zeigt einen sonntäglichen Tanznachmittag auf dem Montmartre, bei dem das Sonnenlicht durch die Bäume in runden Flecken auf Hüte, Gesichter und Jacken fällt; „Das Frühstück der Ruderer“ (1880–81) zeigt seine Freunde auf der Terrasse eines Restaurants an der Seine. Renoir malte Haut in warmem Rosa, Pfirsich und Creme, mit weichen, gefiederten Strichen und Schatten in Blau und Violett statt Braun. Nicht allen gefiel das: 1876 klagte ein Kritiker im Figaro, einer seiner Akte sehe aus wie verwesendes Fleisch mit grünen und violetten Flecken—genau so sieht gesprenkeltes Sonnenlicht eben aus. Im Alter, von rheumatoider Arthritis gezeichnet, malte er in Cagnes-sur-Mer weiter, den Pinsel zwischen die steifen Finger gesteckt.

Renoirs „Bal du moulin de la Galette“: eine tanzende und plaudernde Menge in einem Tanzgarten auf dem Montmartre, mit Sonnenflecken, die durch die Bäume fallen — Pierre-Auguste Renoir, Bal du moulin de la Galette, 1876. Öl auf Leinwand, Musée d'Orsay, Paris.

Degas: Tänzerinnen und die Bühne

Edgar Degas half, die Ausstellungen der Impressionisten zu organisieren, und war bei sieben der acht dabei, doch er mochte den Namen nicht, nannte sich Realist und malte selten im Freien. Seine Welt war die Stadt drinnen: Cafés, Wäschereien, Hutgeschäfte, die Rennbahn und vor allem das Ballett der Pariser Oper, das er Hunderte Male zeichnete und malte—Tänzerinnen bei der Probe, beim Dehnen, beim Warten und beim Verbeugen im grellen Licht der Rampe. Degas arbeitete aus dem Gedächtnis und nach Zeichnungen, schnitt seine Szenen an wie einen Schnappschuss oder einen japanischen Farbholzschnitt und blickte von oben aus einer Loge oder von unten aus dem Orchestergraben. Er war ein Meister des Pastells, baute die Farbe in Schichten aus Strichen und Schraffuren über kräftigen Konturen auf, wie in „L'Étoile“ (Der Star), und griff immer öfter dazu, als sein Augenlicht nachließ. Seine Wachsskulptur „Kleine Tänzerin im Alter von vierzehn Jahren“ sorgte 1881 in der Ausstellung für einen Skandal.

Degas’ Pastell „Der Star“: eine Ballerina im weißen Tutu verbeugt sich im Rampenlicht auf der Bühne, andere Tänzerinnen warten in den Kulissen — Edgar Degas, Der Star (L'Étoile), um 1876. Pastell auf Monotypie, Musée d'Orsay, Paris.

Berthe Morisot und die Impressionistinnen

Berthe Morisot gehörte zu den Gründungsmitgliedern der Gruppe und stellte bei allen Ausstellungen der Impressionisten bis auf eine aus—sie fehlte 1879, im Jahr nach der Geburt ihrer Tochter Julie. Frauen durften nicht an der École des Beaux-Arts studieren und konnten kaum allein in Cafés oder auf den Boulevards malen, also malte sie das Leben, das sie kannte: Mütter und Kinder, Frauen beim Ankleiden, Gärten, Balkone und Ferien am Meer. Ihr Bild „Die Wiege“ (1872), auf dem ihre Schwester Edma über ihr schlafendes Baby wacht, hing 1874 in der Ausstellung. Morisots Pinselführung ist die schnellste und leichteste aller Impressionisten: lange Zickzack- und Hiebstriche in Weiß, Zartrosa, Blau und Grün, mit unvollendet gelassenen Ecken und Rändern. 1874 heiratete sie Eugène Manet, Édouards Bruder. Die Amerikanerin Mary Cassatt kam auf Einladung von Degas 1879 zur Gruppe, und auch Marie Bracquemond stellte mit ihnen aus.

Morisots „Die Wiege“: eine junge Mutter im dunklen Kleid betrachtet ihr Baby, das hinter einem zarten weißen Schleier schläft — Berthe Morisot, Die Wiege, 1872. Öl auf Leinwand, Musée d'Orsay, Paris.

Gebrochene Farbe und farbige Schatten

Die Impressionisten veränderten den Aufbau eines Bildes. Sie malten auf weiß oder hellgrau grundierte Leinwände statt auf dunkelbraune, sodass das Licht von innen zu kommen schien. Sie setzten Striche ziemlich reiner Farbe nebeneinander—„gebrochene Farbe“—statt sie glatt zu verblenden, sodass sich die Tupfer im Auge mischen und zu vibrieren scheinen. Sie kannten die Farbenlehre des Chemikers Michel-Eugène Chevreul, der zeigte, dass nebeneinanderliegende Farben einander verändern, und stellten Komplementärfarben zusammen: Orange gegen Blau, Rot gegen Grün. Schatten waren nicht mehr braun oder schwarz, sondern blau, violett oder grün, gefärbt vom Himmel und vom umgebenden Licht; Monet und Pissarro verzichteten fast ganz auf Schwarz. Neue, leuchtende Pigmente—Kobaltblau, synthetisches Ultramarin, Chromgelb, Smaragdgrün und Viridian—machten es möglich. Die Farbe wurde dick aufgetragen, nass in nass, und jeder Strich blieb sichtbar.

Vom Skandal zur beliebtesten Kunst der Welt

Jahrelang waren die Impressionisten arm und verspottet, und sie überlebten dank weniger Unterstützer: des Kunsthändlers Paul Durand-Ruel, der ihre Bilder in großen Mengen kaufte und 1886 rund 300 davon nach New York brachte, wo amerikanische Sammler schneller kauften als die französischen; und des Malers Gustave Caillebotte, der die Werke seiner Freunde kaufte und seine Sammlung dem französischen Staat vermachte, der nach langem Streit nur einen Teil annahm. Camille Pissarro, die Vaterfigur der Gruppe, war als Einziger bei allen acht Ausstellungen vertreten. Bei der letzten, 1886, zeigte Georges Seurat die Punkte des Pointillismus, und bald trieben Paul Cézanne, Vincent van Gogh und Paul Gauguin—später Postimpressionisten genannt—Farbe und Form noch weiter. Der Impressionismus ebnete den Weg für fast die gesamte moderne Kunst und gehört heute zur beliebtesten Kunst der Welt: Das Musée d'Orsay in Paris besitzt die größte Sammlung, und 2019 wurde einer von Monets Heuhaufen für 110,7 Millionen Dollar versteigert.

Eine digitale Hommage in PictorX

PictorX Impressionismus ist ein Filter, inspiriert von Monets Seerosen, „Impression, Sonnenaufgang“ und Mohnfeldern, Renoirs gesprenkeltem Licht, Degas’ Pastell-Tänzerinnen und Morisots schneller, luftiger Pinselführung. Er ahmt nach, wie ein impressionistisches Bild aufgebaut ist: Schichten spitz zulaufender Pinseltupfer, von breiten bis zu feinen Strichen, die den Formen Ihres Fotos folgen, gebrochene Farbe, farbige Schatten statt Schwarz, dicke Farbe auf Leinwandstruktur oder Pastell auf Papier und ein optionaler vergoldeter Rahmen. Er ist keine Reproduktion eines Gemäldes, keine KI-Kopie eines Meisterwerks und kein Anspruch auf Echtheit: Jedes Bild entsteht aus Ihrem eigenen Foto. Die Originale sieht man am besten an Orten wie dem Musée d'Orsay, dem Musée de l'Orangerie und dem Musée Marmottan Monet in Paris, der National Gallery in London, dem Art Institute of Chicago, dem Metropolitan Museum of Art in New York und der Phillips Collection in Washington—und Monets Garten in Giverny kann man noch heute besuchen.

Ein Porträt vor einem Mohnfeld unter einem warmen Abendhimmel, in dicken Farbtupfern gemalt, in einem vergoldeten Rahmen, erstellt mit dem PictorX-Filter Impressionismus

Ihr eigenes impressionistisches Gemälde in PictorX

Öffnen Sie den Effekt Impressionismus, laden Sie ein Foto—ein Porträt oder eine Landschaft mit einem klaren Motiv eignet sich am besten—und wählen Sie einen Stil: Seerosen, Sonnenaufgang, Mohnblumen, Renoir, Degas oder Morisot. Wählen Sie eine Palette—Tageslicht, Foto, Morgen, Sonnenuntergang oder Dämmerung—und nutzen Sie dann Pinselgröße für die Größe der Striche, Detail dafür, wie fein Gesichter und Kanten gemalt werden, Gebrochene Farbe für die Tupfer reiner Farbe in jedem Strich und Licht dafür, wie stark das warme Licht und die farbigen Schatten gemalt werden. Schalten Sie den vergoldeten Rahmen ein oder aus, und exportieren Sie dann oder bearbeiten Sie in PictorX weiter.

Häufig gestellte Fragen

Warum heißt es Impressionismus?

Nach Claude Monets Gemälde „Impression, Sonnenaufgang“ (1872). Bei der ersten Gruppenausstellung 1874 nutzte der Kritiker Louis Leroy den Titel, um die ganze Schau als „Die Ausstellung der Impressionisten“ zu verspotten, und die Maler übernahmen den Namen bald selbst.

Wer waren die wichtigsten Impressionisten?

Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Edgar Degas, Berthe Morisot, Mary Cassatt und Gustave Caillebotte. Édouard Manet inspirierte sie, stellte aber nie bei ihren Ausstellungen aus, und Paul Cézanne stellte mit ihnen aus, bevor er seinen eigenen Weg ging.

Was sind die Merkmale eines impressionistischen Gemäldes?

Schnelle, sichtbare Pinselstriche; leuchtende Farben nebeneinander statt vermischt; farbige Schatten statt Schwarz oder Braun; alltägliche, moderne Motive; und vor allem die Wirkung von Licht und Atmosphäre in einem bestimmten Augenblick, oft im Freien gemalt.

Wo kann ich Monets Seerosen sehen?

Die größten sind die acht Tafeln der Grandes Décorations im Musée de l'Orangerie in Paris. Weitere Seerosenbilder hängen im Musée Marmottan Monet, im Musée d'Orsay, in der National Gallery in London, im Museum of Modern Art in New York und in vielen anderen Museen, und den Garten selbst kann man in Giverny besuchen.

Ist der PictorX-Filter ein echtes impressionistisches Gemälde?

Nein. Er ist eine digitale Hommage, die aus Ihrem eigenen Foto entsteht, keine Kopie eines Gemäldes. Die originalen Bilder der Impressionisten bleiben Kunstwerke in Museen und Sammlungen.