인상주의에 대하여 | 모네, 르누아르, 드가, 모리조와 빛의 화가들

인상주의란?

인상주의는 1860~1870년대 프랑스에서 클로드 모네, 피에르오귀스트 르누아르, 카미유 피사로, 알프레드 시슬레, 에드가 드가, 베르트 모리조를 중심으로 생겨난 회화 양식입니다. 이들은 화실에서 매끈하게 다듬은 역사화 대신 주변의 세계—대로와 기차역, 카페와 무도장, 정원, 강, 바닷가—를 그렸고, 스쳐 가는 한순간을 붙잡으려 했습니다. 어느 한 시각의 빛, 물결의 반짝임, 풀밭을 스치는 한 줄기 바람 같은 것들입니다. 이들의 그림은 빠르고 눈에 보이는 밝은 색의 붓질로 이루어져 있어, 가까이서 보면 거칠어 보이지만 한 걸음 물러서면 빛과 공기로 녹아듭니다.

분홍색과 흰색 꽃이 핀 수련 연못을 배경으로 짧고 끝이 뾰족한 인상주의 붓질로 그린 초상화, 금빛 액자 속, PictorX 인상주의 필터로 제작

1874년 파리: 첫 전시회

19세기 프랑스에서 화가의 경력은 살롱에 달려 있었습니다. 파리의 공식 전시회인 살롱의 심사위원들은 역사, 신화, 종교를 다룬 매끈하고 완성도 높은 그림을 선호했습니다. 1863년에는 낙선작이 너무 많아 황제 나폴레옹 3세가 ‘낙선전’을 허락했고, 관객들은 그곳에서 에두아르 마네의 「풀밭 위의 점심 식사」를 비웃었습니다. 거듭된 낙선에 지친 모네, 르누아르, 드가, 피사로, 시슬레, 모리조, 세잔 등은 자신들만의 협동조합을 만들고, 1874년 4월 15일 카퓌신 대로 35번지에 있던 사진가 나다르의 옛 스튜디오에서 독립 전시회를 열었습니다. 서른 명가량의 화가가 160점이 넘는 작품을 선보였습니다. 열흘 뒤 비평가 루이 르루아는 풍자 신문 『르 샤리바리』에 「인상주의자들의 전시회」라는 제목으로 이 전시를 조롱했고—그 농담이 운동의 이름이 되었습니다. 이것은 1886년까지 이어진 여덟 차례 그룹전 가운데 첫 번째였습니다.

「인상, 해돋이」

운동에 이름을 준 그림은 1872년이라고 적힌, 르아브르 항구를 그린 모네의 「인상, 해돋이」입니다. 회청색 아침 안개 속에서 배와 기중기, 굴뚝의 형체가 녹아들고, 앞쪽의 작은 노 젓는 배들은 어두운 실루엣이 되며, 주황색 해가 물 위에 끊어진 빛의 띠를 드리웁니다. 이 그림은 젖은 물감 위에 젖은 물감을 얹으며, 얇게 푼 물감과 몇 번의 순색 붓질로 빠르게 그려졌습니다. 모네가 훗날 회상하기를, 카탈로그에 실을 제목을 묻자 이 그림은 도저히 르아브르 풍경이라고 할 수 없었기에 “‘인상’이라고 써 주시오”라고 답했다고 합니다. 르루아는 그 말을 조롱거리로 바꾸었습니다. 이 그림은 현재 파리의 마르모탕 모네 미술관에 있으며, 1985년에 도난당했다가 1990년에 되찾았습니다.

야외에서 그리기

인상주의 화가들이 야외 작업을 발명한 것은 아니지만, 그것을 자신들의 작업 방식으로 만들었습니다. 두 가지 발명이 도움이 되었습니다. 1841년 미국 초상화가 존 고프 랜드가 특허를 낸, 짜서 쓰는 금속 물감 튜브와 가볍게 접을 수 있는 상자형 이젤입니다. 더 이상 화실에서 안료를 갈고 섞을 필요가 없었고, 새로 놓인 철도는 화가들을 파리에서 아르장퇴유와 부지발의 강변, 퐁텐블로 숲, 노르망디 해안으로 실어 날랐습니다. 르누아르는 아들에게 튜브 물감이 없었다면 세잔도, 모네도, 시슬레나 피사로도, 그리고 인상주의도 없었을 것이라고 말했다고 합니다. 야외에서 그린다는 것은 빛이 바뀌기 전에 빠르게 그려야 한다는 뜻이었고—때로는 여러 캔버스를 번갈아 가며—그것이 느슨하고 스케치 같은 붓질의 이유 중 하나입니다. 아내 카미유와 아들 장이 붉은 꽃 사이를 걷는 아르장퇴유 근처의 여름 들판을 그린 모네의 「양귀비」(1873)는 1874년 전시회에 출품되었습니다.

숲 가장자리에서 이젤 앞에 선 클로드 모네와 그 뒤 풀밭에 앉은 여인을 그린 존 싱어 사전트의 그림 — 존 싱어 사전트, 「숲 가장자리에서 그림을 그리는 클로드 모네」, 1885년경. 캔버스에 유채, 런던 테이트.

지베르니의 모네의 수련

모네는 빛이 대상을 어떻게 바꾸는지 보여 주기 위해 같은 주제를 하루의 다른 시각과 다른 계절에 거듭 그렸습니다. 「건초더미」(1890~91), 「포플러」, 그리고 「루앙 대성당」의 정면(1892~94)입니다. 1883년 그는 센강 가의 마을 지베르니에 정착했고, 1893년부터 연못을 파고 개울의 물길을 끌어들여 버드나무와 붓꽃, 수련을 심고 초록색 일본식 다리를 놓았습니다. 생애 마지막 30년 동안 이 물의 정원이 그의 주된 주제였습니다. 그는 수련 그림을 약 250점 그렸는데, 그 안에서 지평선은 사라지고 화면은 오직 물과 꽃, 하늘과 나무의 그림자로만 채워집니다. 백내장으로 시야가 흐려진 뒤에도 그는 거대한 패널 연작 ‘대장식화’에 매달렸고 이를 프랑스 정부에 기증했습니다. 이 작품들은 파리 오랑주리 미술관의 타원형 전시실 두 곳에 설치되어, 그가 세상을 떠난 지 몇 달 뒤인 1927년에 일반에 공개되었습니다.

르누아르: 나뭇잎 사이로 비치는 빛

피에르오귀스트 르누아르는 도자기 그림공으로 시작했고, 풍경보다 사람을 그리기를 좋아했습니다. 그의 「물랭 드 라 갈레트의 무도회」(1876)는 몽마르트르의 일요일 오후 무도회를 그린 작품으로, 나무 사이로 쏟아지는 햇빛이 모자와 얼굴, 재킷 위에 둥근 얼룩으로 떨어집니다. 「뱃놀이 일행의 점심」(1880~81)은 센강 가 레스토랑 테라스에 모인 친구들을 그렸습니다. 르누아르는 피부를 따뜻한 분홍과 복숭아빛, 크림색으로, 부드럽고 깃털 같은 붓질로 그렸고, 그림자에는 갈색 대신 파랑과 보라를 썼습니다. 모두가 좋아한 것은 아닙니다. 1876년 『르 피가로』의 한 비평가는 그의 누드 한 점이 초록색과 보라색 반점으로 뒤덮인 썩어 가는 살 같다고 불평했습니다—하지만 얼룩진 햇빛이란 원래 그렇게 보이는 법입니다. 말년에 류머티즘 관절염에 시달리면서도 그는 카뉴쉬르메르에서 굳은 손가락 사이에 붓을 끼운 채 그림을 계속 그렸습니다.

르누아르의 「물랭 드 라 갈레트의 무도회」: 몽마르트르의 야외 무도장에서 춤추고 이야기하는 사람들 위로 나무 사이 햇빛이 얼룩져 떨어진다 — 피에르오귀스트 르누아르, 「물랭 드 라 갈레트의 무도회」, 1876년. 캔버스에 유채, 파리 오르세 미술관.

드가: 무용수와 무대

에드가 드가는 인상주의 전시회를 꾸리는 데 힘을 보탰고 여덟 번 중 일곱 번 참여했지만, 그 이름을 싫어해 스스로를 사실주의자라 불렀고 야외에서 그리는 일은 드물었습니다. 그의 세계는 도시의 실내였습니다. 카페, 세탁소, 모자 가게, 경마장, 그리고 무엇보다 파리 오페라 발레였습니다. 그는 무용수들을 수백 번 그리고 그렸습니다—연습하고, 몸을 풀고, 차례를 기다리고, 각광의 눈부신 빛 속에서 인사하는 모습을. 드가는 기억과 소묘를 바탕으로 작업했고, 스냅사진이나 일본 판화처럼 장면을 과감하게 잘라 냈으며, 박스석에서 내려다보거나 오케스트라석에서 올려다보았습니다. 그는 파스텔의 대가였습니다. 힘 있는 윤곽선 위에 선과 빗금을 겹겹이 쌓아 색을 만들었고, 「에투알」이 그 예입니다. 시력이 약해질수록 파스텔을 더 자주 썼습니다. 밀랍 조각 「14세의 어린 무용수」는 1881년 전시회에서 스캔들을 일으켰습니다.

드가의 파스텔화 「에투알」: 흰 튀튀를 입은 발레리나가 각광 속에서 무대 인사를 하고, 다른 무용수들은 무대 옆에서 기다린다 — 에드가 드가, 「에투알」, 1876년경. 모노타이프에 파스텔, 파리 오르세 미술관.

베르트 모리조와 여성 인상주의 화가들

베르트 모리조는 그룹의 창립 멤버로, 한 번을 빼고 모든 인상주의 전시회에 출품했습니다—딸 쥘리가 태어난 이듬해인 1879년에만 빠졌습니다. 여성은 국립미술학교에서 공부할 수 없었고 카페나 대로에서 혼자 그림을 그리기도 쉽지 않았기에, 그녀는 자신이 아는 삶을 그렸습니다. 어머니와 아이, 몸단장하는 여인, 정원, 발코니, 바닷가의 휴가. 언니 에드마가 잠든 아기를 지켜보는 「요람」(1872)은 1874년 전시회에 걸렸습니다. 모리조의 붓질은 인상주의 화가들 가운데 가장 빠르고 가볍습니다. 흰색, 연분홍, 파랑, 초록의 길고 지그재그진 붓질과 채찍 같은 획으로, 모서리와 가장자리는 미완성으로 남겨 두었습니다. 1874년 그녀는 에두아르의 동생 외젠 마네와 결혼했습니다. 미국인 메리 커샛은 드가의 초대로 1879년 그룹에 합류했고, 마리 브라크몽도 그들과 함께 출품했습니다.

모리조의 「요람」: 어두운 옷을 입은 젊은 엄마가 하얀 얇은 천 너머에서 잠든 아기를 바라본다 — 베르트 모리조, 「요람」, 1872년. 캔버스에 유채, 파리 오르세 미술관.

색채 분할과 색이 있는 그림자

인상주의 화가들은 그림을 짓는 방식을 바꾸었습니다. 짙은 갈색 대신 흰색이나 밝은 회색으로 바탕칠한 캔버스에 그려, 빛이 안에서 배어 나오는 것처럼 보이게 했습니다. 거의 순수한 색의 붓질을 매끄럽게 섞지 않고 나란히 놓아—‘색채 분할’—색점들이 눈 속에서 섞이며 떨리는 듯 보이게 했습니다. 나란히 놓인 색은 서로를 변화시킨다는 것을 보여 준 화학자 미셸외젠 슈브뢸의 색채 이론을 알고 있었고, 보색을 함께 놓았습니다. 파랑에 맞서는 주황, 초록에 맞서는 빨강입니다. 그림자는 더 이상 갈색이나 검정이 아니라 하늘과 주변 빛에 물든 파랑, 보라, 초록이 되었습니다. 모네와 피사로는 검정을 거의 쓰지 않았습니다. 코발트블루, 합성 울트라마린, 크롬옐로, 에메랄드그린, 비리디언 같은 새롭고 선명한 안료가 이를 가능하게 했습니다. 물감은 두껍게, 젖은 위에 젖은 채로 칠해졌고, 붓질 하나하나가 그대로 드러났습니다.

스캔들에서 세상에서 가장 사랑받는 예술로

오랫동안 인상주의 화가들은 가난했고 조롱받았으며, 몇몇 후원자 덕분에 버텼습니다. 화상 폴 뒤랑뤼엘은 그들의 그림을 대량으로 사들였고, 1886년에는 약 300점을 뉴욕으로 가져갔는데, 그곳의 미국 수집가들은 프랑스인보다 먼저 지갑을 열었습니다. 화가 귀스타브 카유보트는 친구들의 작품을 사들여 자신의 컬렉션을 프랑스 정부에 유증했지만, 정부는 오랜 논쟁 끝에 그중 일부만 받아들였습니다. 그룹의 아버지 같은 존재였던 카미유 피사로는 여덟 번의 전시회에 모두 참여한 유일한 화가입니다. 1886년 마지막 전시회에서 조르주 쇠라는 점묘주의의 점들을 선보였고, 곧이어 폴 세잔, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱—훗날 후기 인상주의자로 불린 화가들—이 색과 형태를 더 멀리 밀고 나갔습니다. 인상주의는 거의 모든 현대 미술로 가는 길을 열었고, 오늘날 세상에서 가장 사랑받는 예술 가운데 하나입니다. 가장 큰 컬렉션은 파리의 오르세 미술관에 있으며, 2019년에는 모네의 「건초더미」 한 점이 경매에서 1억 1,070만 달러에 팔렸습니다.

PictorX의 디지털 오마주

PictorX 인상주의는 모네의 수련과 「인상, 해돋이」, 양귀비 들판, 르누아르의 얼룩진 빛, 드가의 파스텔 무용수, 모리조의 빠르고 가벼운 붓질에서 영감을 얻은 필터입니다. 인상주의 그림이 만들어지는 방식을 흉내 냅니다. 사진의 형태를 따라 넓은 획에서 가는 획까지 겹겹이 쌓는 끝이 뾰족한 붓 터치, 색채 분할, 검정 대신 색이 있는 그림자, 캔버스 결 위의 두꺼운 물감이나 종이 위의 파스텔, 그리고 선택할 수 있는 금빛 액자입니다. 어떤 그림의 복제도, 명화를 AI로 베낀 것도, 진품이라는 주장도 아닙니다. 모든 이미지는 여러분의 사진으로 만들어집니다. 원작은 파리의 오르세 미술관, 오랑주리 미술관, 마르모탕 모네 미술관, 런던 내셔널 갤러리, 시카고 미술관, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 워싱턴의 필립스 컬렉션 같은 곳에서 보는 것이 가장 좋습니다—지베르니의 모네 정원도 지금까지 방문할 수 있습니다.

따뜻한 저녁 하늘 아래 양귀비 들판을 배경으로 두꺼운 색 터치로 그린 초상화, 금빛 액자 속, PictorX 인상주의 필터로 제작

PictorX에서 나만의 인상주의 그림 만들기

인상주의 효과를 열고 사진을 불러온 뒤—피사체가 뚜렷한 인물 사진이나 풍경이 가장 잘 어울립니다—스타일을 고르세요: 수련, 해돋이, 양귀비, 르누아르, 드가, 모리조. 팔레트를 고른 다음—주광, 사진, 아침, 일몰, 황혼—브러시 크기로 붓질의 크기를, 디테일로 얼굴과 윤곽을 얼마나 섬세하게 그릴지를, 색채 분할로 붓질마다 들어가는 순수한 색점을, 빛으로 따뜻한 빛과 색이 있는 그림자의 세기를 조절하세요. 금빛 액자를 켜거나 끈 뒤, 내보내거나 PictorX에서 계속 편집하세요.

자주 묻는 질문

왜 인상주의라고 부르나요?

클로드 모네의 그림 「인상, 해돋이」(1872)에서 왔습니다. 1874년 첫 그룹전에서 비평가 루이 르루아가 그 제목을 빌려 전시 전체를 「인상주의자들의 전시회」라고 조롱했고, 화가들은 곧 그 이름을 스스로 받아들였습니다.

대표적인 인상주의 화가는 누구인가요?

클로드 모네, 피에르오귀스트 르누아르, 카미유 피사로, 알프레드 시슬레, 에드가 드가, 베르트 모리조, 메리 커샛, 귀스타브 카유보트입니다. 에두아르 마네는 그들에게 영감을 주었지만 그들의 전시회에는 한 번도 참여하지 않았고, 폴 세잔은 그들과 함께 출품한 뒤 자신만의 길을 갔습니다.

인상주의 그림의 특징은 무엇인가요?

빠르고 눈에 보이는 붓질, 섞지 않고 나란히 놓은 밝은 색, 검정이나 갈색 대신 색이 있는 그림자, 일상적이고 현대적인 주제, 그리고 무엇보다 흔히 야외에서 그린, 한순간의 빛과 대기의 효과입니다.

모네의 수련은 어디서 볼 수 있나요?

가장 큰 작품은 파리 오랑주리 미술관에 있는 ‘대장식화’의 패널 여덟 점입니다. 다른 수련 그림은 마르모탕 모네 미술관, 오르세 미술관, 런던 내셔널 갤러리, 뉴욕 현대 미술관 등 여러 미술관에 걸려 있으며, 정원 자체도 지베르니에서 방문할 수 있습니다.

PictorX 필터는 진짜 인상주의 그림인가요?

아닙니다. 여러분의 사진으로 만든 디지털 오마주이며, 어떤 그림의 복제도 아닙니다. 인상주의 원작은 미술관과 컬렉션의 예술 작품으로 남아 있습니다.